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2017-12

我在学琴过程中栽过的跟头(一)——家长的重要性

成为一位优秀演奏家是从小为自己定下的目标,也一直朝这个方向努力:十岁考进音乐学院附小,以为进了这所学校,演奏家这个名头迟早可以套上。谋事在人,成事在天,不按预设情节发展才是人生。通向梦想的道路充满波折,没有哪位优秀演奏家、艺术家,在成长道路上没摔过跤,但他们后来取得的成绩,让人觉得一切都是值得的。而我,虽然没有成为顶尖演奏者,但可以将这一路摔过的跤、踩过的坑分享给大家,为大家减少试错可能。 故事从考入音乐学院附小开始。当时全国只有为数不多的几所音乐学院有附小,因此每所学校都汇集了来自全国各地的优秀琴童,本地生极少,我是外地生里一份子。因为离家远,父母有工作在身,只在开学时送我来学校,其余时间都是一人在校寄宿,教学生活环境全封闭,我也还算勤奋自律,练琴课准时出现在琴房。偶尔休息时,也会加练一会儿琴,每天4~5个小时的练琴时间铁打不动,每次考试名次都很靠前。自以为不是最出色的,至少也不落于人后。这样的自我认知,直到小学毕业前的一次观摩课有了动摇。 当时我的专业老师模拟附中升学考试,让每位同学轮番上台演奏。一位进校时水平相当,甚至程度稍差的同学,经过附小几年磨练,在这次观摩中显得比其他人出色不少。一首颇有难度的作品,她演奏起来技术清晰扎实,音乐表达细腻成熟。作为竞争者,不得不承认她确实比我更优秀一些。按理说,我每天练琴时间不少,为何效果却差强人意? 现在回想起来,应该是练琴效率上出了问题。一个十岁的孩子,很难时刻保持注意力集中,以最高效的方法练琴。这时,需要借助一些外力,比如家长在旁督促,来辅助我们完成练琴任务。 1.注意力 内在驱动力固然重要,但难以持久,外部压力和鞭策在这个时候便显得格外重要。附小三年时间,这位同学的母亲在校外租了一间房,全职陪读。几乎每天晚上的练琴时间都会陪在身边,所有的休息时间也都在加琴点练琴。监督式陪伴給了孩子一定压力,练习时更容易保持注意力。偶尔走神时,家长可以及时将注意力拉回来。同时,在家长有意识地督促下,更多碎片时间被利用起来。每天点滴积累,一段时间后就会有明显的进步。当然,进步也离不开她的聪慧和努力。 2、练琴方法 练琴时重难点的抓取也很重要。虽然家长不会弹琴,但通过笔记、录音以及成熟的理解力,逐渐积累了一些辨别能力。在陪练过程中,家长作为旁观者可以不时提醒和监督孩子,通过不同的方法,制定更加高效的练琴计划。 当然,家长的陪伴不是高效习筝的唯一路径,也不是一劳永逸的办法。我关注的是,在孩子未养成良好学习习惯、找到正确学习方法的情况下,家长的引导和陪伴是非常重要的。一旦好习惯养成,即进入良性循环,之后的学习将事半功倍,家长也会越来越轻松。 有人说,我们的孩子并不想走专业道路,只是兴趣爱好罢了。孩子喜欢就坚持,不喜欢也不强求。在学琴之前,我想大多数家长都会征求孩子的意见,询问他们是否喜欢古筝,如果孩子不喜欢,也不会为TA报班找老师。那为什么在学习了一段时间后,经常出现这样的情景,有家长说:我的孩子不喜欢古筝,暂时放弃吧,我希望尊重孩子,给孩子一个快乐的童年……。枯燥的练琴过程占用孩子玩乐的时间,使他们产生厌学心理,这是再正常不过的事情。学习和游戏本是需要区分和引导的两件事,家长这些看似正当的理由,可能是在为自己不愿投入更多精力找借口。 教学中,我也经常碰到这样的情景。上课时问孩子练琴没,答曰:练了。但一回课发现,上节课存在的问题这节课依旧没有解决,家长说:在家练了,就是练的不多,我们也不懂古筝,孩子弹的对错也不知道。为了确认孩子到底是没有掌握练习方法还是练习的量不够,我开始让家长每天给我发视频打卡。经过一周试验,孩子再来上课时,和上周相比判若两人,不仅改掉问题,还将乐谱熟练背了下来。只是一个小举措,为何变化这么大? 首先,每天打卡确证了孩子练琴的次数和质量,避免了孩子糊弄家长和老师的状况,也帮助家长更容易监督孩子(毕竟是要向老师打卡)。其次,家长在每天拍摄视频过程中,处在高度关注孩子的状态中,孩子练了什么,练的对不对,家长也能慢慢了解一些。哪怕家长不懂古筝,也能从孩子练琴时的状态获取一些信息。与坐在一旁陪着,却在玩手机,或者忙其他事情相比,共同参与的方式自然会有更好的效果。我们可以设身处地想一想,当身边有人在关注你时,你会比独处时变得更敏感、注意力也更集中。最后,每天小视频打卡,老师可以及时发现一些明显的,但又比较容易纠正的问题,避免小问题积累成大毛病。通过跟老师的沟通交流,家长也能逐渐了解孩子在练琴时存在哪些问题,完全不懂古筝的问题也可以慢慢缓解。 学琴伊始,家长一定会很辛苦,孩子幼年时学习任何一样东西,都是需要家长耐心引导和磨励的。良好的学习习惯会让孩子受益一生,因此,不论学什么,家长一定要教会他们认真对待每件事。一旦进入这种良性循环,孩子会很容易获得成就感,自然会越来越喜欢练琴。相反,如果对存在的问题不管不顾,放任自流,时间长了,可能导致孩子失去学习的兴趣和动力,他们对音乐的美好想象也可能从此扼杀在这段不愉快的经历里。

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2017-12

如何帮助孩子理解音乐、表达音乐

在古筝教学中,常常碰到这种情况。当孩子过了流畅演奏的坎后,在寻求更深层次的音乐情感时,总有些手足无措。很少碰见让你觉得享受的演奏,更多时候我们听到的都是机械式弹奏。有时,为了让孩子显得有些乐感,老师们会让学生强加生硬的动作,来表达所谓的情感,让人看了无比尴尬。 孩子为什么难以理解音乐情感? 为什么表达音乐这么难?音乐中的情感是通过音符表达,它不像文字和语言,可以直接传递情感。而音乐这种相对隐晦的表达方式,对孩子而言不外乎一门外语,这中间多了一道需要转换的手续。如果没有人告诉孩子这些音符表达什么意思,他们无法意会是很正常的。但如果我们照搬作品解释,讲给孩子听,他们也常一知半解。我们成年人容易忽视孩子的认知水平和成长背景。若用他们能够理解的方式阐述音乐内容,或许有不一样的成效。正如我们会为孩子挑选有图案的绘本,给他们讲简单易懂的童话故事,而不会在一开始把《中国古代史》强塞给他们。从易到难,需要一个漫长的过程。 如何以孩子的视角理解音乐 比如,孩子学习弹奏筝曲《丰收锣鼓》。快板段落庆祝丰收时,热闹、外放的气氛更容易体会。而慢板段落表达的是:对旧社会的批判和当今生活的赞美,音乐内敛、细腻,很少有孩子能驾驭好。其中一个原因是孩子的生活经历不足,认知能力有限,局限了他们对作品进一步理解,诸如旧社会、吃不上饭的描述距离他们太遥远。如果只是照搬如此单薄的解释,恐怕无法帮助孩子加深理解。但如果我们换一种说法:某天,街上偶遇了一只流浪猫,因为生病被主人遗弃,它饿极了,只能在垃圾箱附近徘徊,找食物充饥。这时候,小猫的心情一定非常低落和难过。这些情绪与作品想表达的悲伤部分很像。这种离孩子生活更近的例子,能使他们产生同理心,更好的理解作品所要表达的情感。 音乐情感到底是个什么东西? 一首作品存在多个层次的情感。第一层来自作品本身,作曲家会通过音高、节奏、速度等元素,把情感融入到作品中。如古筝曲《秦桑曲》,是周延甲先生创作于20世纪70年代的一首筝曲,它描述了一位深情的妙龄女子思念家乡、思念亲人、盼望早日与家人团聚的迫切心情 。作品的第一段有这样几个特征:1.慢板,作曲家通过速度为作品的立意确定了基调。2.借用陕西音乐重颤以及按滑的特色,将缠绵、委婉的特质表现出来。3.陕西筝曲的定弦,它多4、7,并且是陕西筝曲中特有的微升4和微降7,陕西苦音特有的音阶。以上几样条件,是作曲家为作品奠定的基调,他希望通过这些要素,让他人也产生相似的情感。 而第二层情感来自于演奏者。把某一种演奏方式和某一种情感对应,这是我们可以做的第一步。还是以《秦桑曲》慢板为例,当孩子知道作品的基调是思念,我们可以把某种规律性的演奏常识告诉他。 1.思念对应的速度肯定不会快,因此在演奏时将速度降下来很重要。 2.旋律的走向在初期也是有一定规律可循的。当旋律的发展方向朝着高音流动时,音量也可以顺着往上助推,反之,旋律下行走向低音时,便逐渐将音量下降,演奏的位置也朝中间靠拢。这个规律可以通用在许多作品中。 3.《秦桑曲》中出现很多4、7,这些音基本都带有重颤,效果类似哭腔。当遇到此类弹法,可以告诉孩子,效果类似我们哭泣时的声音,让他们找到这种同理心,将重颤演奏到位的基础上,通过心理预设,更好的做到情感体会。 之所以细致的解释音乐情感的概念。除了希望家长告诉孩子,进一步帮助孩子在演奏过程中,实现情绪的表达 如何关联理解与表达,也即,让孩子了解作品要表达什么后,又可以将理解的内容表达出来。看似很难实现,但我们稍稍换位思考,多想一步,多做一点,就能化解难题。不要轻易否定孩子,我们首先要做出清晰的判断,是理解的问题,还是表达的问题,找到症结,再对症下药。如果只是囫囵吞枣的指导孩子:你的音乐没感情,要再投入一些就算歇斯底里也是徒劳。 当然,音乐中的情感不仅仅如此,还有许多个人情感的参杂等等,那是更高层次的情感表达。在驾驭好一定规则后,再来谈其他也不迟。

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2017-12

时间的源头

在中国,古筝是除钢琴外,学习人数最多的乐器,市场大和所谓门槛低让许多人嗅到商机,养活了一大批古筝老师。古筝是否真的门槛低,我想每一位专业的演奏者都会给出同样的回答:真的不容易。说它容易的,恰恰是那些演奏拙劣、仅会几首小曲、只想糊弄学生的老师噢不,他们不足以被称为老师。 在纷繁复杂的古筝市场里,如何找到一位称职的老师,是许多准琴童家长头疼的事。优质资源分布极不均衡,尤其是三四线城市之外的家长,想在当地找一位好老师更是难上加难。但如果你已经有找到一位好老师的概念,我觉得已经是件好事儿。 有些家长只把音乐学习视作可有可无的科目,同时提出一些条件: 1.收费不能太高 2.离家不能太远 3.老师不能太严…… 如果你是这样的家长,而你的老师恰巧满足了以上所有条件,那么你就要小心了。因为一位真正称职的好老师,无法纯粹为了获取生源,随意收取低于市场平均价格的学费,也不可能为了哄好你的孩子,不指出问题,不严格对待。朋友圈里经常会流传一些在专业人士看来可笑的视频,孩子摇头晃脑,似在耍把戏一般。手型极度扭曲,而家长却不知自己的孩子正深陷学琴误区,要以为有模有样。 前几天,在朋友圈看到任教北京舞蹈学院的朋友发的视频,内容是南方一所小有名气的舞蹈学校学生训练视频,孩子整齐划一做着各种极高难度动作,观众拍手叫好。但我这位朋友却如此评价:这些孩子的老师应该去看看《舞蹈训练学概论》。我不解,私信请教。她告诉我,这些动作颇有难度,而这些孩子快速变换着下腰、起身、跪地等动作,其间没有任何缓冲,对身体伤害非常大。如果没有她的解说,作为门外汉的我,实在看不出门道。我想,作为古筝门外汉的家长们,也跟我一样,在孩子学琴时也面临无法判断优劣的难题。 为了尽量避免出现这类问题,最好的解决办法是到这门学科的源头找老师。作为全国文化中心,北京自然是这门学科的源头,筝界几乎所有顶尖高手都聚集在这儿。当然,即便资源如此优越,不是所有在北京的学生都能享受这种优势。古筝的源头在北京,具体来说,是在以王中山、李萌、周望等老师为学科带头人的中央音乐学院和中国音乐学院。相比其他地区,生活在北京的学子拥有天然优势,可以在最短时间内找到合适自己的顶尖高手。即便没有机会接触这些源头学者,但结识来自这两所院校的学生也不是难事,他们同样是身处源头的专业人士。师从这些人,至少可以最大程度避免前文中描述的情况。其他设有音乐学院的一二线城市,大体也可以依据这条路径寻找当地筝界源头,尽量以他们为师。 资源不如一线城市,当地又没有音乐学院的地区,家长应该尽全力找到好老师。而通过标签找到好老师是最直观快捷的。每年,音乐学院以及各类艺术院校有大量古筝专业学生毕业,留在一二线城市有一些,有更多学生会回到自己家乡。专业学生逐渐意识到,三四线之外的城市古筝师资匮乏,良莠不齐,回到家乡发展前景不会差,甚至会有更好的空间。在孩子学琴之前,家长应当对当地古筝师资有大体了解。一般来说,音乐学院毕业的学生大体优于其他院校,而师范学校的艺术学院学生又优于其他综合院校,家长可以通过这些标签,大致做初步筛选。 当然,有可能出现专业院校学生不如非科班出身、有丰富教学经验的老师。一些老师早年没条件进入专业学校学习,但经过不断积累,勤于思考,积攒了丰富的教学经验。在教学同时,不忘提升自我能力。这类老师在当地也一定非常有声望,受到专业筝乐圈的肯定,一经打听便可以寻到。 家长还要注意防止某些老师投机取巧。这些人深知标签重要性,为此会做夸大甚至虚假宣传,我们应当学会甄别。比如,某老师称毕业于中央音乐学院,师从某位教授,但你却无法在公开的历年师生名录里找到TA。后来发现,TA只不过是在中央音乐学院学了师资培训课程。这里并不是否认师资培训课程的含金量,而是提醒家长警惕这种乱給自己贴标签,夸大宣传、甚至虚假宣传的行为。 如果在当地实在找不到合适的好老师怎么办?互联网这时候就发挥了它的优势。网课如今成为最便捷、最节约成本的一种学习方式,不出门就可以学到顶尖老师讲授的优质课程。那么,问题就来了,既然我能通过网课向最顶尖的老师学习,我还需要线下再找老师吗?答案是需要。网络课程的弊端是不能直接面对面交流,这使深度学习变得困难。准确的表情达意,需要肢体语言、所处环境的参与。乐器学习的特性要求必须当面示范,手把手纠正错误。 当然,老师不是学琴成败的唯一要素,还有个人学习能力、家长配合等等其他要素左右,要了解的信息,还有很多。

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2017-12

那些听得见却听不懂的作品 -- 对背景的了解

随着时代发展,当代古筝作品呈现愈发多元的趋势,从80年代作曲家徐晓林创作的《剑令》、谭盾创作的《南乡子》,到21世纪初叶小纲创作的《林泉》、唐建平创作的《自鸣系列2》,以及近几年秦文琛创作的《吹响的经幡》、李萌创作的《八面风》等,在音响效果、演奏形式和内容表达上不断突破传统范式,甚至呈现抽象形态,时常让人无从下手。前几天,我还看到这样的评论:听不懂《如是》和《苍歌引》,即便把两首作品的标题对换,也未尝不可。虽然无法苟同这类言论,但我们理应认真对待这种声音。 由秦文琛创作、刘文佳首演的筝曲姊妹篇《吹响的经幡》和《风中的圣咏》,是我尤其喜欢的作品。第一次欣赏这首作品时带给我的冲击依旧清晰。奏出来的声响,超越了过去所有作品带给我的震撼。不断涌出来的共振,形成了一个巨大漩涡,把我圈在最中心。演奏者不遗余力,把她最真挚的情感传递出来,却又像置身事外的旁观者这一切看起来浑然天成。 这两首作品中对传统作曲技术和演奏技法的反叛,常成为介绍这首作品的首要信息。比如定弦,把古筝21根弦调成带有微分音的单音,这些音在四个八度范围内被分成五组。同时,在琴码左侧形成了一组完整的西方早期教会调式音阶。在演奏技法上,这两首作品同样有着不同寻常的表现形式。《吹响的经幡》全曲用琴弓拉奏,《风中的圣咏》则用不带指甲的手掌和手指演奏。 当然,这些乏味的描述对于许多古筝爱好者或者凑巧走进音乐厅的人来说,或许是一些无用信息,很难帮助他们进一步理解作品。 我们可以换个角度切入。作曲家的创作意图和风格形成通常都与他的成长背景和所处时代有关,我们不妨先来看看秦文琛先生的生活背景。 秦文称先生从小生活在内蒙古鄂尔多斯草原。每天下午回家,都要帮家里放羊。小时候没有手表,在野外也不清楚时间,于是他就靠太阳的影子辨别时间,太阳的影子就是他小时候最深刻的记忆。作品《太阳的影子》系列就来自小时候这段生活经历,不仅仅是这首作品,生活场景中这种广阔的空间感出现在他许多作品里,在《吹响的经幡》和《风中的圣咏》里也能感受到。 秦文琛说他的主题是行走,连做梦都在行走,从小的愿望就是走出草原,去看看外面的世界。他从草原走出来,到上海音乐学院学习。尽管这个过程中需要承担非常多的风险,但他依旧坚持走出去。毕业后来到中央音乐学院任教不久,秦文琛又去了德国埃森音乐学院学习。这段离开,用他的话是在湖面上看倒影,既看到了风景,也看到了风景中的自己。让他对音乐作品有更深层次的理解,也产生了更多视角。 他不停行走、远离,最后发现所有的道路,所有来自他乡的经验,都是为了用更丰富的语言来表达对他们的爱,为了能够更深刻的理解故乡。就像无形的根扎在泥土里,任花儿叶子绚烂多变,但总归逃不掉根的守望。他不停的离开去体验,找回生活中被忽视和遗忘的东西,不停的通过离开自我审视,以便更清醒的看待自己。 我们回到《吹响的经幡》和《风中的圣咏》就不难理解。这同样是一次出走,走到另一片和家乡一样民风淳朴的土地上,作曲家试图在这片净土找寻熟悉又别样的安宁。旅程中舞动的经幡、肃穆的圣咏、虔诚的教徒,充满神秘力量的藏区无时无刻都在震撼他。感动之余,作曲家只好用这般辉煌的声音来回敬他们,投射出他对人生、哲理、宗教的看法。而对于古筝来说,这也是一次出走,崭新的创作理念、富有挑战的演奏手法,对古筝是一次全新的解放。创新之余,音乐追逐的最终目的没有丢失,他用最有力、最准确的音响表达他的精神诉求。技术和情感,自我放逐和守望,全都浑然一体。 我们不妨从这种更容易让人产生共鸣的叙述方式,带着筝乐爱好者进入那些看似难以理解的作品,我们也有必要把更多更好更深刻的作品带向大众,让大家感受这些年筝乐的发展,它源于传统,它早就远超传统。

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2017-12

那些听得见却听不懂的作品 -- 知识储备与开放的心态

知识储备 对于古筝爱好者和业余学习者来说,接触的古筝作品大体逃不出这几类。一类是经典作品,如《高山流水》《春江花月夜》等,这些作品名扬中外,即便没有接触过古筝也略知一二;一类是考级曲集中的作品,古筝教学几乎逃不开考级曲集,绝大多数业余学习者的认识和曲库量也止步于此,将教材中的作品学的七七八八,古筝学习生涯差不多也就结束了。 这些作品有同样特质: 1.在自然调式音阶范围内展开,旋律优美悦耳。再复杂一些的,也逃不出少数民族的调式音阶。 2.作品有具体的描绘对象,听众很容易通过标题或作品简介理解作品内容。久而久之,形成了听觉习惯,只接受的了好听的旋律,习惯从音乐中找故事、找情节,这是最常见的欣赏状态。 当你遇见一部作品,觉得好听、好看,那么有一种可能,它是你熟悉的旋律或画面。你以为理解了听懂了这首作品,于是会产生一种安全感,可能是这种安全感,让你觉得舒适。当人一直处在这种安全舒适区内,就很难有勇气再跨出去。当一首作品出现在你经验之外,毫无秩序可寻,你自然觉得听不懂,也就失去了耐心。 有办法可以进步吗?有,要多听。 大量欣赏作品是为了储备声音信息。怎么听呢?就像去美术馆一样,欣赏不了毕加索的风格,但喜欢莫奈,那不如就从莫奈的画入手。音乐欣赏也是如此,没有必要强求自己马上喜欢甚至听懂当代作品。我们不妨循序渐进,从可接受的作品入手。 在上世纪八十年代,现代筝曲创作掀起了新风潮,有专业作曲家介入创作,也有古筝演奏者进行谱曲,创新是那一代创作者共有的话题。处于启蒙阶段的创新大多不太出格,如在音阶中加入几个调外音,或在传统模式上,改编一些元素,使它们呈现出新鲜的模样,这些作品依旧有很强的可听性,不如将它们作为欣赏现代筝曲的入门篇。当然,我们在欣赏时如果能深入一点就更好了,了解一下它诞生的年代,这可能和运用的创作手法相关。了解作曲家的生活背景和创作背景,这和作品的风格和要表达的内涵有联系。培养良好的欣赏习惯,可以为进一步接受难懂的作品打下扎实基础。 当你深知其味后,这类作品或许不能再满足你了,由此慢慢过渡到难懂的作品。就像糖好吃,多了也会腻,咖啡苦,细细品尝后,留下的是香。第一次听不懂时,你就反复听,我想很少有人一开始就喜欢咖啡的苦,但渐渐的,经历一个过程,你可能就爱上这种滋味。音乐也是,反复的聆听让这些音响成为脑海里习惯的声音,当你想进一步了解作品时,借用上面的方法,翻阅相关资料,去理解作品诞生的背景。 为什么现代作品难懂、不好听?一首作品的诞生离不开它所处的社会环境和时代潮流。虽然我们身处高速发展的时代,但身边频有不幸发生。天灾降临,多少人因此家破人亡;社会事件爆发,又引起多少民愤。反映复杂社会的音乐,又怎会只限于单纯的美?可听性不是作曲家创作的唯一标准,揭露背后的本质具有更重要的意义。我们或许不理解作曲家这么做要表达什么,然而想要推动音乐发展,必须有人站出来变革,把音乐从上一个时代中解放出来。顺着历史的轨迹回望过去,不难发现,每一个时代都有人在反叛过去,音乐才有了现今多元的可能。从听众的角度来看,这些探索带来了许多陌生感,但音乐的疆界的的确确在慢慢扩大。整个音乐历史,都可以看作是不断反叛而螺旋上升的循环。 开放的心态 说到这儿,不得不提开放心态。我们要听传统的音乐,也要听现代的音乐。不仅仅在作品风格上遵循这样的态度,对待不同的演奏也是如此,如果能准备两付耳朵来装不同的音乐就更好了。 几天前,纪念邱大成先生逝世二十周年系列活动邀请了来自世界各地的多位爱徒共同纪念恩师,他们如今都是颇有名望的筝乐传播者。在这几场音乐会中,我听到了许多过去的声音。邱老师教学的那个时代,在演奏方式上和我们现在不太一样,与今天的年轻演奏家相比,声音上没那么响,从技术上来说手指也没那么快。如果用今天的声音和技术标准评价他们,可能有失偏颇。但回到他们当时的语境中,演奏的侧重点自然也不同。那时候不需要那么响的声音,更在意的是音乐本身。他们对音乐细致的雕琢,生活的沉淀和感悟,加之对待音乐的诚挚之心,在音乐的深度上无疑是年轻一代音乐人难以超越的。这些声音朴素之余又饱含深情,在那天晚上深深的打动了我。 当我们敞开心扉后,只会收获更多。 说不定有朝一日就能体会到《太阳的影子4》中秦文琛的乡愁,《鲲鹏赋》中李萌的自由与超越,这些作品的奇妙和张力是传统作品不曾有的。当然,对于大多数爱好者来说,不妨先从陶一陌的作品中体会古筝的浪漫,三木稔的作品中体会人文关怀。相比较而言,这几位作曲家的作品属于现代筝曲中不难听系列。 说了那么多,无非就是想告诉大家,学会欣赏音乐没有捷径可走,重要的是你去做了。只有通过不断积累消化,储备知识,才是接近难懂作品的恰当方式。如果你真的这么去做了,这个过程会得到许多不可言说的美好体验。

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2018-02

孩子业余学习不要太正规?

几天前,看到中央音乐学院副院长、音乐心理学家周海宏教授写的关于孩子业余学琴的文章《业余学琴,何必太正规?》。他说,孩子学琴,要以保护学习动机(兴趣)为第一要务,而非技术规范化。如果孩子掌握技术有难度,出现厌学情绪,不必苛责,点到即止。为此减损孩子的兴趣,得不偿失,违背学习音乐的初衷。 周海宏教授提出了几个理由。正规的技术动作是迈向更高难度演奏的基础,对有志于成为职业演奏者,或者演奏更难作品的人来说,是至关重要的。但天赋有高低,掌握技术的效率有快慢。有些孩子在技术正规化方面有困难,过度苛求反倒损害了孩子的兴趣。 而且,动作正规与演奏水平不存在必然关联,有些音乐家动作不规范,仍有高级的音乐品质。他以著名钢琴家霍洛维兹为例,演奏时,他身形佝偻、屈手臂、勾小指 ,掌指关节下塌,动作很不正规,但凭借极佳的身体机能和天赋,他能在看似别扭的状态下控制演奏,呈现世界上最漂亮的音色与最精妙的声音控制。 细究技术规范让孩子感到学琴的痛苦,倒不如顺其自然,关注真正重要之事,通过学琴感受艺术与生活之美。 由此,周老师提出,业余学琴何必太正规?这种倡议有助于缓解琴童与虎妈之间紧张的关系,具有启发意义。当然,我们可以沿着这一路径继续探讨,学习规范化与学习兴趣是否真的存在矛盾?而规范内部有不同层次,与音乐表达关联度不同,是否应当纳入讨论?更根本的问题是,存在快乐学习这回事吗? 在讨论规范是否重要前,我们不妨细致解剖它。在回答规范与兴趣的关系前,我们要先讲明白,什么是规范。 学琴过程中,规范大体分三类:技术规范、音准规范、节奏规范。这三类规范中,技术规范的标准最难定义。一般来说,技术规范是指某个技法按照约定俗成的方式进行弹奏。如果不这么弹,就是不规范。不过,约定俗成这个标准的区间太大,派别、师门、风格不同,各自圈子的约定俗成有异。 相较而言,音准规范和节奏规范,在基础训练中有一定标准。我们可以通过调音器和节拍器的辅助,协助我们衡量这两种规范是否达标。 周老师文章中提到,演奏方法不规范,不影响音乐表达。这仅指技术规范本身。但是,学琴过程中,技术规范能被孤立看待吗?它与另两种规范毫无关联吗? 显然不是。技术或许可以不因循约定俗成的方法,但音准不规范、节奏不规范,则必然导致音乐不成调。我们不妨重新定义技术规范,它是约定俗成的方法,只不过,不同派别、师门、聚落形成的约定俗成不同,所以技术规范存在不同标准,但有共同目标,为了更好把握音准与节奏。 尤其,在学习弦乐器过程中,音准是最关键的环节。以学习古筝为例,左手按滑音需要靠听音来辨识音准,如果上下滑按不准,4、7按不准,会极大影响音乐表达。此时的音准不规范,与技术不规范有关系吗?有。学生按音不准,除了听觉系统没有受训练外,还可能是技术不规范导致,常见的有手按不动琴弦、按压方向不对等。 再说节奏不规范,它包含节奏不准确和速度不达标。学琴时做到节奏准确是基本要求,速度达标则属进阶要求。我们先要达到基本要求,如果节奏不准,音乐就会不成调,更不要谈音乐表达了。这和技术有关吗?有。不规范的技术或许可以正确表达节奏,但也可能因为姿势不对,导致前后音衔接出现问题,出现节奏不准的情况。以习筝为例,如果手臂跳动太大,发力点太高,都会出现前后音衔接出现失误、节奏跟不上等问题。 实际上,技术规范、音准规范、节奏规范相互之间存在关联,而这些问题又都牵连着音乐表达。 虽然周老师文章中仅提出技术规范在业余学琴中可以做出取舍。但是,当我们对节奏规范、音准规范做出要求时,孩子依旧需要花费大量时间和耐心关注技术,改正问题。如果因为迁就孩子的兴趣,能学则学,学不会也不强求的话,在技术、节奏、音准均不达标的情况下,谈何体验音乐,体验艺术与生活之美?美不从毫无章法里来? 老师和家长要帮助孩子学好琴,破除对技术正规化的迷信是路径之一。但思考不应止步于此,更不能产生不必在意技术规范的错觉。我们思考的起点,不应是规范到底重不重要,而是细致分辨哪些规范是必须掌握的基本要求,哪些规范可以获得宽宥。而在掌握规范的过程中,我们也应当持续探索,除了放松要求之外,是否能有更好的办法帮助孩子掌握技术,比如以更耐心亲和的姿态,以更贴合孩子认知的形象比喻。 其实,在所有探讨中,我们更应该避免的误解是,很多人以为存在快乐学习这回事。实际上,任何掌握新技能的学习过程,大体是不快乐的。有效的学习,本身就是破除旧观念、旧习惯的过程,它与过去的自己作对,为了迎接更好的自己。不断破茧的过程,怎会是快乐的?更理想的状态是,我们应当引导孩子体会在破茧过程中,通过努力不断获得新知的快乐;把学琴这件事,嵌进孩子让自己不断变好的期待里。

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2018-02

如何不在陪练时“咆哮”

前不久,网上有关家长陪孩子写作业的话题大热。作为古筝老师深有感触,咆哮应该真真切切发生在每一个老师身上。而琴童家长则是雪上加霜,陪写作业之余还要陪练琴。 不得不说,陪练是一件高难度高强度的技术活。不像语、数、外等通识教育,家长们即便教不了,至少可以判断作业正误。陪孩子练琴对于没学过乐器的家长来说,非常吃力,只能跟着老师要求,亦步亦趋,看到孩子稍有懈怠,祭出咆哮的老办法。 有没有更好的处理方式? 陪练琴这件事,我们不妨将它分为多个任务来处理。对待作业和对待我们的日常工作一样,战略上要藐视敌人,战术上要重视敌人(改)。 一、把弹琴分为看结果和看效果两类,区别对待。 拿古筝举例。整体而言,古筝启蒙不算特别难,难在老师和家长希望每个手型、指法、乐谱、情感都全力以赴,以达到某种标准。其中很重要的观点是:打基础阶段是最重要的。如果手型不对,将会影响后期的演奏;如果识谱不正确,将会影响后期的演奏;如果节奏不对,将会影响后期的演奏…… 这些说法有其道理。而步入更高进阶,又会出现新的不可妥协的理由,哪怕是演奏家也有难以平衡的点,比如对技巧的极致追求是否会导致音乐性丢失。人的时间和精力有限,家长若强求面面俱到,难免出现疲惫感,也造成孩子压力过大,丧失学琴的兴趣。 故而,分清主次有效率地练琴就很重要了。 在日常练琴中,课后作业可以分为两类:一类是看结果,即熟练练习曲、背熟曲谱,以及通过节拍器辅助练习等内容。这部分的练习,只看结果,因为每天的练习结果都有明确的标准,是一个重复的过程,不太需要创造性。布置好作业后,便可以任其自由练习,家长在每天练琴结束前做检查即可。在这一步,可以只看作业的完成情况。如果已经练熟,但觉得弹的不够好听,可以不用过于严苛,可能是孩子因为年龄过小,对自己身体的控制能力不够,导致发力过重或过轻,或者听觉能力的培养还有待加强。 另一类则是看效果,即作业有一定难度,需要经过反复练习、悉心领会才能习得。比如刚学完新指法,孩子在最初几天的练琴过程中,不能立马掌握。这时候,就需要家长更多的参与进来,通过老师的笔记或者录音录像等工具给予辅助。又比如在乐曲演奏后期,家长要通过多元方式主动增进孩子对音乐的理解力和感受力,包括了解作品背景、培养阅读习惯、观赏音乐会等,营造多层次的音乐环境,目的是让孩子获得有情感地演奏乐曲的能力。 家长可以将每天的作业做一个划分,告诉孩子哪些是她需要自己独立、按时完成的,哪些需要有更多要求,需要在父母的陪伴下完成。分清主次,相当于让未来可预期,这样孩子会更有安全感。 二、调整练习作业的顺序,劳逸结合 比如,练琴时间的安排可以划分为:指法慢练10分钟(跟节拍器),新乐曲片段5遍(着重练习难点);休息10分钟,指法练习正常速度5分钟(跟节拍器),全曲演奏3遍等。 具体的量和顺序可以根据不同情况调整。这种将练习拆分的方式,有助于保证新鲜感。同时,每次作业布置的练习曲通常与乐曲的进度相匹配,练习曲的目的是为乐曲服务。因此在循环的过程中,将练习曲中针对性的练习,带入乐曲中。虽然练琴难以一直处于愉悦状态,但如果可以做到劳逸结合,搭配适当,孩子练琴可能没那么痛苦。 三、时间和量 对现在的孩子来说,学校的学习任务就很繁重,每天可以挤出的练琴时间非常有限。少则半小时,多则一小时,所以,学会时间管理很重要。原本预留的练琴时间是一小时,孩子磨磨蹭蹭做准备工作,就可能花去10分钟。如果新曲目不熟,加上孩子练琴不专心,一小时弹不了三两遍就过去了。所以在上一节内容中,乐曲的量我是用遍数来标注的。对于初学者来说,遍数的累计比时间更靠谱。另外,以防孩子练琴不专心、拖沓,导致时间过长。家长可以使用定时器,规定每次作业完成的时间,比如,5遍要在半小时完成。放在身旁的定时器,可以让孩子清楚意识到自己还剩多少时间来完成作业。 除此之外,家长可以模仿学校布置课后作业的方式,将每天的练琴任务制定为一份表格,每完成一项就打一个勾,或者贴个小红花,这样既清晰,也让孩子有成就感。 和过去琴童家庭相比,现在家长参与孩子练琴过程不再只是陪伴那么简单,陪伴时的主动交流和合理安排,都会让孩子的学琴过程更有效率。

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2018-02

学琴之前,家长要转变的几个观念

过年期间走亲访友,免不了有亲友问我,适龄孩子如何选择学哪件乐器。作为音乐从业者,我既开心又苦恼。开心的是全民音乐,越来越多人意识到音乐具有陶冶情操、提高修养的功能,音乐几乎成为每个孩子业余生活中的必修课。苦恼的是,给他人推荐乐器是一件需要慎之又慎的事情。由于每个孩子的条件、兴趣,以及父母的观念不同等等,适合的乐器形形色色。还有一种可能是,孩子压根就不喜欢音乐,就像有的孩子喜欢画画,有的孩子喜欢天文,当所有决定来自于家长一厢情愿时,就会导致孩子学一门、恨一门。因此,挑选乐器的决定绝不能一蹴而就。家长和孩子的准备工作也不是在报名时才开始。 当你在决定找老师、选乐器之前,我们的准备工作就应该开始了。家长首先要想明白,自己的孩子真的喜欢音乐吗。这份准备工作,比选择乐器更加重要。 一、孩子真的喜欢音乐吗? 家长逐渐意识到,音乐教育是孩子素质教育中很重要的一环,它对审美、修养,甚至心智等方面都能产生影响。早在古希腊就有哲学家提出,音乐具有教化功能,能净化心灵,使人向善。如今,这已是大多数家长公认的真理,许多孩子的漫漫学琴路就此开始。 谁都不希望自己的孩子输在起跑线上,谁都希望自己的孩子长大后成为有品位、有气质的人。没错,音乐的确能从各个方面给人带来正面的影响,但在此之前,有个更重要的事情,家长是否遵循孩子的意愿? 从萌生想法到开始学习,主导这件事情的关键人物似乎一直是家长。他们热血沸腾地带孩子认识各种乐器,四处打听有经验的老师,寻找最优质培训班。而真正的主角孩子是怎么想的往往被忽视了。 许多家长认为孩子年龄太小无法分辨喜好,可能看到什么都喜欢或者不喜欢。我们低估了孩子的感受力,他们内心其实也有一个惊涛骇浪的世界。虽然孩子不一定能准确表达自己的感受,但作为最了解孩子的人,父母如果仔细观察,一定会通过他们的行为得到一些碎片信息,从而理解孩子的真实想法和意图。 学一门恨一门的故事数不胜数,家长都懂,而伤痕累累的孩子却仍时常出现。为人父母的责任之一,就是帮助孩子发现自身的天赋和潜能。切记不可人云亦云,也不要将自己的梦想强加在孩子身上。培养孩子的气质和兴趣,远沒那么简单,还有许多路可走。 二、音乐兴趣可以培养吗? 有人可能会觉得,我说那么多是劝大家不学音乐吗?恰恰相反,我是想告诉大家,音乐学习很重要,重要到要早早做准备,要真心对待。 智力有差异,人的天赋不同,有些孩子擅长绘画,有的孩子擅长算数。但我们是否思考过,这些差异是如何形成的?认知科学理论说,我们继承的基因确实影响个体智力,但要通过环境发挥作用。比如,一个高个子学生更可能选择篮球活动。高个子是基因,而选择篮球活动并非完全因为基因所致,是环境和基因交互影响, 但对大多数家长来说,希望孩子通过学习音乐拥有感知美的能力,丰富课余生活。他们没有奢望自己的孩子通过音乐功成名就。因此,天赋、基因因素在这里显得不那么重要。 一些表现出更有音乐天赋的孩子,他们的家人要么是音乐从业者,要么热爱音乐。除去娘胎带出来的基因以外,这些天赋更可能来源于环境的影响。当他们的父母长时间浸泡在音乐环境里,生活在一起的孩子自然而然受到影响。比如乐器老师的日常是教学生弹琴,当他的孩子总看到父母给学生上课,日积月累,自然比别的孩子接触音乐的时间更多。他对音乐的敏感度,也因此会大幅提升。 三、如何培养音乐兴趣。 只是,这样的环境我们可以效仿吗?完全可以。 首先,最容易做到的是营造家庭音乐氛围,建立孩子对音乐的熟悉感。比如吃饭、睡前、亲子时光……任意休闲时间都可以,让听音乐成为生活中一件很平常的事情。不管是成人还是孩子,都对自己熟悉的领域更容易产生兴趣。耳濡目染,一些旋律逐渐印刻在孩子记忆中,等家长再带孩子去学习乐器,如果老师演奏的恰巧是在家听过的乐曲,通过记忆搜索,熟悉感会让孩子对这件乐器的好感度增加。 其次,同辈群体的主流文化会对孩子产生重要影响。小孩子和大人对于好坏的评价方式不同,决定孩子幸福感的并不是我们大人常说的大环境,比如教育体制、教学方式,最关键的是孩子的同辈环境,也就是他们自己的小世界。 有些幼儿培训机构招生情况特别好,孩子们去了都喜欢。其中一个很重要的原因,孩子们在那里玩得开心,那里有同龄的小伙伴、有愿意陪他玩儿的老师。在这个主要以同辈人构成的主流圈子里,TA得到了很强的幸福感和归属感。 孩子的音乐兴趣培养,我们同样可以通过找到适合他们的同辈群体以及这一群体的主流文化中入手。 比如,聆听高品质的音乐会在音乐学习中很重要,但欣赏音乐会绝非易事。且不说作品难度高低孩子能否听懂,仅让孩子安静地待满一整场也是件很困难的事情。但如果他们进入的是自己同辈人的圈子,效果可能千差万别。 在我的同龄人中,一些朋友的音乐启蒙就来自经典音乐剧《音乐之声》。剧中的歌曲音律整齐、朗朗上口,剧目的主角七个孩子与大人之间产生的情感冲突,鲜活动人,剧情和音乐完全围绕孩子的世界徐徐展开。坐在观众席里的孩子很容易在剧中找到同辈群体,产生共鸣,让孩子们不知不觉进入剧情,情境帮助孩子理解音乐、记住音乐。加之,观众席里也多为同龄人,他们对剧情的共鸣也影响着周围的人,同时大笑、同时尖叫,这些因素让孩子感到安全和舒心。 如果家长尊重孩子的意愿,也意识到音乐兴趣培养功在平时,选择进入哪个门类、学什么乐器,可能是件自然而然的事情。学习音乐,也绝非只是陶冶孩子情操、提高孩子修养,这个过程更能磨砺出彼此平等、相互尊重的亲子关系。

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2018-03

关于考级那些事儿

一、业余考级和专业真的没关系 日常教学中,每个老师应该都碰到过这样的家长:报名时就会向老师打听教学进度,最常见问题是,老师,像我们孩子这样的,什么时候能学的差不多?大概多久能考级? 遇到这样的家长我们不怕,都会耐心解释。设身处地,换成是我学一门全新的学科,也会对自己未来的成绩抱有期待,毕竟有目标才有动力。但有些家长会这么说,老师,我不指望我们孩子能学的多好,不需要他以这个为专业,考过十级,当作兴趣爱好就行。如果你不想让老师觉得您太外行,最好不要说这样的话。 没说过这类话的家长,恭喜您,您孩子的老师不会在尴尬的笑声后偷偷翻个白眼。 为什么这么说?在绝大多数人眼里,考级是一件专业的事。就像我也经常被朋友问,你过几级了?我总要苦口婆心跟人解释,我考没考级不重要,专业的学生不以考级来评判水准。 考级针对的是什么人群?在中央音乐学院的考级证书上印着校外音乐水平考级证书,中国音乐学院的考级证书上印着社会艺术水平考级证书。如果说中央音乐学院和中国音乐学院属于专业音乐教育,相对而言校外这个概念,则与业余划等号。 下面这本教材是中央音乐学院钢琴考级的教材,在封面上就印有业余两个字。 业余考级教材 所以,考级是针对业余学琴的学生,也就是非专业院校的学生设置的一种评判水准和等级的测试。即便你考完十级(或演奏级),也跟专业二字没有什么关系。 二、我们为什么要考级? 在南京某个考级现场的随机调查问卷中,就考级的目的,向家长展开调查,共750位家长做了回答。有47%的家长是为了提升孩子的全面素质,43%的家长是为了检验孩子的学习情况,7%的家长为了检验老师的教学水平,3%的家长为了孩子升学加分。 同样,还有一份来自孩子们的回答。其中有72%的孩子回答是在父母逼迫下参加考级。而为了衡量自己水准的只有11%,认为可以在考试中得到锻炼的有14%。 从这份数据可以看出,大部分家长的观念已有更新。即便考级不再成为升学加分的手段,依旧有很多家长愿意培养孩子学习音乐,参加考级。但大多数孩子并不理解自己为什么考级,我认为这和教学理念有一定关系。 家长作为辅助参与者交学费、陪学琴、但不会弹琴的人,难以判断自己的孩子已经达到哪种水准,但又需要这种反馈,于是就借助外界相对公正公开的标准来衡量。 既然考级已经成为衡量业余演奏水准的重要手段,自然而然,为了获得好成绩,许多老师就将学习目标调整为:考什么曲子,学什么曲子,每个级别只学两首考试需要的作品。经过一段时间打磨,待到学生基本可以完整演奏,就奔向考场,奔向下一个级别。一顿囫囵吞枣,又一个十级水平诞生。 培训机构需要成绩,家长需要成绩,孩子需要成绩,成绩成绩成绩……原本的素质教育,绕了一圈又回到需要靠成绩证明自己的应试教育。值得反思的是,这种违背我们学琴初衷的现象,如今却成了评判培训机构优劣、家长付出多寡、孩子水平高低的唯一标准。 在这个过程中,最困惑的是孩子。TA不清楚我是为了学琴还是为了考级?学琴=考级吗?这场无硝烟的战争,TA很难体会到学琴的成就感,很难感受到音乐的美。反倒随着作品难度增加,技术负担越来越重。上一首作品还没吃透,下一首作品接踵而来。而且弹来弹去就这几首曲子,难免产生厌倦感。 三、学习音乐不是为了考级 我在教学中,通常也鼓励学生参加考级。作为检验工具和锻炼的机会,只要把握分寸,它带给我们的是正面影响。我会将考级的好处告知家长和学生,但从不干涉他们的决定。 曾经有一位学生的演奏达到4级水平,于是我鼓励孩子尝试一下考级。孩子和妈妈商量后决定暂时不考。由于孩子心理素质比较差,现在的演奏也还不够稳定,进考场很有可能会过分紧张导致她发挥失常,从而产生自卑心理。他们认为等成熟一些,再考也不迟。根据自身条件作出选择,这是很难得的状态。而且,孩子的妈妈能通过学琴持续关注孩子的心理状况,帮助她更好建立自信心,也让我钦佩不已。 考级不是目的,它仅仅作为一种工具存在。 若真如问卷调查显示的,大部分家长认为考级是为了提高孩子综合素质,检验学习成果。那么,我们作为一线音乐教育工作者,应当调整教学观念和方法。 尽管古筝教学使用的是考级教材,我们可以更好的利用这本教材。比如,在每个级别中多学几首作品。这样的好处是,(1)同级别的作品难度接近,多弹几首更加利于孩子巩固和消化。(2)同级别的作品风格相异,这种差异性更容易让孩子体会到音乐里的情感变化。(3)保持对音乐的新鲜感。 当我们帮助孩子真正把握好这些内容,面对考级就不再是一场硬仗了。我们可以从中任意挑选两首作品作为考试曲目,来检验阶段性的学习成效。 有时候,孩子的兴趣产生于信心。当孩子感觉自己能够成功完成某件事,并且做得越来越好的时候,就会持续产生兴趣。在这些难度适宜的作品中,孩子的演奏越来越完善,逐渐找到自信,自然也就不排斥弹琴,甚至越来越喜欢弹琴。 四、考哪里的级 坦诚讲,考级也是有等次的。如果家长需要通过攀比成绩满足自己的虚荣心,你不妨问问别人:你在哪里考的级? 考级机构分为全国性和地方性,我们只拿古筝举例。 全国性的机构里,最有含金量的非中央音乐学院考级证书莫属。首先,它是国内第一所需要先通过音乐基础知识考核,才能参加所学专业考级的机构。其次,它的打分制度比较严格,通过率偏低,因此含金量就大大提升了。如果你觉得自己很有实力,那就去参加中央音乐学院的考级吧。 次之是中国音乐学院,它的通过率比中央音乐学院高,所以含金量有所下降。从今年开始,中国音乐学院的考级也加入了音基考试,将会大幅提高考试难度。 上海音乐学院在华东地区属于比较有含金量的考级机构,它的打分制度相比地方机构更严格,在江浙沪一带属于比较权威的考级。 地方性的考级机构又分为各大地方音乐学院主办和省音协主办。 如果到地方音乐院校更便捷,自然参加音乐学院的考级测试有含金量,考官大多为音乐学院老师,评判标准比较严格。 而省音协的考级相对来说容易很多,基本弹下来就可以过关。 这么一对比,大家心理就有数了。如果你的孩子过了中央音乐学院的十级,那么恭喜您,您孩子的音乐水准还是相当不错的。 如果有培训机构告诉你,在他们这里一年可以考四、五级,你不妨问问,他们是在哪里考级,以此判断机构的诚实程度。 考级作为孩子音乐学习中的必经之路,有人欢喜有人愁。造成以考级为目标的现象,有多方原因。可能是家长的急切心理和信息不对称,可能是培训机构和老师迎合家长或盲目宣传。多方因素干扰,考级逐渐变味了。我期待您,从看完这篇文章开始,调整心态。考级不是我们的目的,学音乐、爱音乐才是最最重要的。 参考文献: 张英豪. 社会业余音乐考级研究与思考[D]. 南京艺术学院, 2007.

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2018-03

信任老师

陌生人之间,互相信任是一件很困难的事情。李银河老师说:在中国社会中,每个人都以自己为核心,血亲、姻亲、朋友、熟人,一圈一圈延伸开去,按自己距离的远近来划分亲属。信任几乎只在熟人圈里,对陌生人的世界是不信任的。 老师和学生的关系最初算不上熟人,在双方还不熟悉的情况下,学生要把空白的自己交给老师,的确很难不保持警惕。但这不应成为不信任老师的理由。解决这个问题的最好方法是,找到一个你满意的、认可的好老师。 另外,信任瓦解有时候不仅源自学生自己,还包括他人的煽动,三人成虎。他人的看法,常常左右我们的决定。 一、找到一位好老师 信任老师,得以找到了好老师为前提。在《时间的源头》(文章链接)一文中,我写过为什么要找好老师,好老师在哪里,以及如何找到好老师。在这里我再简要概述一下。 想要以最快方式、最低成本找到好老师,我们首先要找到这门学科最源头、最核心的地方。对于古筝来说,这个地方自然属于北京。北京坐拥两大音乐学院,聚集了古筝圈子里最优秀的人,比如行业内的中坚力量:王中山老师、李萌老师、周望老师等等,如果你想学习古筝,你就得认识他们,生活在北京的学子拥有天然优势。即便没有机会接触到这些顶尖学者,通过其他渠道认识来自这几所一流音乐院校的学生也没那么难。 如果你不在北京上海等一线城市,我们也可以通过种种办法找到(判断)靠谱的老师。(以下标准仅从一般情况来说) 1.通过标签。音乐学院毕业生一般优于师范院校艺术生,师范院校学生一般优于其他综合类大学。 2.通过口碑。一些老师早年没条件进入专业院校学习,通过自己不懈努力,积攒了丰富的教学经验。这一类老师在当地通常很有声望,一经打听便可以寻到。 3.通过网络课程。网络课程的优势是节约成本,它的弊端是不便利古筝这种技艺型教学。但换个角度,网络课程有一个明显优势,它搭建了学生与优秀教师之间的桥梁。课程展示了老师的教学能力,而学生可以通过课程结识这些优秀老师,也有了进一步向他们学习的可能。 有一点要格外注意:标签也有可能存在虚假。一些老师非科班出身,但在宣传时偷换概念、虚假宣传,比如将通过中央音乐学院师资培训课程写成毕业于中央音乐学院。如果一时无法探清虚实,别偷懒,上网搜索名字、或者问问业内人士就知道了。 尽你所能,找到最优秀的老师,将会在之后的学习中少走许多弯路。 二、信任老师 以上述条件为前提,当我们找到内心认可的好老师,剩下的就是信任他们。 批判精神在这个时代倍为推崇,学习要带有批判思维。但在这里,我们可以暂时收起浅层次的批判和质疑。当你要做学徒的时候,绝不能批判性学习,你要绝对盲从。 为什么做学徒时我们要盲从? 如果你已经有了进行有效批判的理论框架,你为什么还要学琴?因为不懂,所以才学。你得抛弃既有的自以为是的框架,抛弃在原有框架下形成的偏见,认真在师傅带领下建立新的框架。 从身边的例子来看,这种偏见不仅来自你自己,还来自旁人。许多认真的古筝小白在刚开始学习时,特别喜欢和旁人交流学习成果,在我的播客节目《弦谈》微信群里,就经常有这样的事发生。原本是好事,但交流的过程中经常出现类似这样的情况: a同学发了一段学习视频,引来众人围观。于是b同学也发了自己的学习视频上来,请大家帮忙指导(甚至还会有c.d.e同学)。a的方法得到了绝大多数人的肯定,但b的方法与一些同学学的不太一样,但只是细微的差别,并没有出现本质错误,完全不影响演奏。接下来就开始有不同人质疑b同学的方法,甚至开始质疑b的老师。这就引起了b同学一阵恐慌,怀疑自己找的老师不靠谱不专业。我观察到,质疑的人大多数是古筝初学者,或者略有心得的业余学习者。 经询问,得知他的老师毕业于音乐学院,并且我还相识。以我对他老师的了解,不太可能教出错误的方法。 这样的例子屡见不鲜,许多老师和同学都遇到过,这令他们很苦恼。 首先我们要明白,古筝的正确手型有很多种。仔细观察每个名家,他们的手型和方法或多或少都有差别,但是大体不会脱离某种框架。比如,有的老师强调不能抬手腕,有的老师正好相反,强调支起手腕。方法不同,自然会影响后续的发声,但这些老师的方法都没有违反手的运动规律和发力方向。所以,当你认可你的老师后,要做的就是无条件相信他,盲从他。 再者,筝友之间互相交流是提升筝艺的好方法。但如果你还处在学习阶段,还不能很好分辨好坏对错,分享自己的方法足矣,千万不要好为人师。因为你掌握的仅仅是万千知识中的一粒沙,不要轻易对别人的方法下判断。这样不仅扰乱别人的思路,也是对其他老师的不尊重。 再次强调,完全信任老师,是建立在你对老师的认可上,确认这是一位不会误人子弟的好老师。 三、当你需要帮助时 如果你真的对自己的老师有质疑,需要寻求帮助时。我给大家一个建议,去请教其他你认为可以信任的老师咨询,悉心比较,审慎判断,而不是到处去找同学寻求帮助。1、你无法判断TA的指正是否正确。2、师承不同,方法不同。可能他是正确的,你的也没有错。 就像病人特别爱自己給自己看病,也特别喜欢找病友交流用药心得。同样的病,并非每个人能用同一种药治好,因为每个人的身体条件各异。更何况每种疾病还存在不同的小分支。最靠谱的办法还是接受科学规范的检查,并在医生专业指导下对症用药。 同样,在古筝学习中,寻求专业老师的帮助也是最不容易走弯路的方式。即便其他老师和你的老师不是一个体系,但老师们经验丰富,见多识广。老师可以通过专业知识来判断,你是否可以继续使用这种方法,或者你的老师是否可以信任。 当然,我提出的盲从更适合在初学阶段。因为当你盲从一段时间后,就不自觉有了判断力,到时候你反倒不会盲从了,你会理解老师为什么这样教,理解他的优势和偏见,自主学习也就有根有据了。

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2018-04

我帮助高级班的学生变的更好(1)-从技术的角度

从事古筝教学,我更青睐高阶学生。他们已经度过了初期扫盲阶段,对乐器有一定驾驭能力,在沟通过程中更容易互相理解。当然,挑战也很多,高阶教学不再是完成表面符号习得这么简单,需要深入到音乐背后去,牵涉的东西也更多元。我享受这个复杂的过程,我相信我的学生也是,因为我们共同走在越来越好的路上。 我对高阶学生的定义是,9级或演奏级水平及以上,但尚未达专业水准,也就是专业与业余高水准的中间人群。如果考过10级还想继续学,自然是琴艺有更高的音乐要求,不只满足于完整和流畅的演奏。 1.区分两种类型的高阶学生 我碰到过两类高阶学生,一种是考过10级,但还存在明显技术漏洞;一种是基本功扎实,乐感良好,但在更精准、更细腻表达音乐方面遇到障碍。 遇到第一种学生时,如果TA考过10级,还想继续学,那说明接下来的目标不再是考试,而是真正想把琴弹好。遇到这样的学生,我会很开心,因为TA是真正热爱古筝。如果基本功打得不够牢,10级作品的难度实际上超出能力范围,如果不解决根源上的技术问题,很难再提高。我可能会选择一些稍简单的作品,比如7、8级水平的乐曲,让TA重新巩固。 遇到第二种学生,我可能更开心,因为TA不仅喜欢古筝,还有一定天分。在教学计划中,我会布置稍稍超出ta水平的作品,让其尽力一跃,够到更高水准。因为在十级以及更难的作品中,作曲家除去为作品安排有难度的技巧,还会赋予各个段落不同的情感。在教学过程中,这些多元、复杂的情感,能够帮助学生学会区分不同表达,比如:哀伤和悲痛是不一样的,愉悦也可以分为偷着乐和开怀大笑,这些细腻的情感划分,可以帮助TA更好地体会情感。 2.怎么教、怎么学 有此认识之后,关于如何教、怎么学,则是需要专门讨论的另一个问题。 首先,我们要明白,古筝不仅仅是手指运动,它是一个全身运动。尽管直接触弦发声的是手指,但身体的其他部位间接为演奏提供帮助。我们以离手指最近的手臂举例,小臂和大臂的运动有所不同,尤其在低音区发力的时候,仅仅小臂发力是不够的,大臂带动小臂发力会让声音更加沉稳厚重。再比如,上半身的起伏大多数人都可做到,但要注意幅度,与音乐的需要相匹配,不能为了摇摆而摇摆,每次动作要有清楚的目的。在音乐相对平稳的状态时,不要过多摆动破坏音乐。而手臂需要爆发时,身体要帮助手臂,将它送出去。最后,尤其要注意腿部,虽然腿部离手指最远,但它也是辅助身体发力的重要部分。当你需要在演奏中倾尽全力时,腿部的力量可以提供很好的帮助,它作为身体的支撑,将力量从脚部输送到手上。 不信你回家试一试,从仅用小臂刮奏,到大臂带动刮奏,再到身体帮助刮奏,以及让脚部使劲儿调动全身发力刮奏,这四种发力方式出来的效果是完全不一样的。分清楚不同部位的发力方式,将身体的所有关节打通,收放自如,我们再根据音乐表达需求做出选择就容易多了。 我们再来单独讨论手指触弦。在教学初期,老师不会过多强调触弦的方法、种类和音色区别。随着学习深入,我们开始关注声音好不好听,与作品风格契不契合,触弦的变化可以直接解决一部分问题。比如大家熟悉的《云裳诉》,慢板段诉说的、回忆的情感更适合用慢触弦、贴弦的弹法来演奏,这时候,如果加上手腕和手臂的支撑缓冲就更好了。在快板段落,我们使用快触弦、离弦的弹法更恰当,每一颗音符都能充满颗粒感,离弦也更易于加速。而在引子中,音乐张力非常大,陕西风格的音乐使用夹弹法会辅助音乐更加浓郁地道。 通过这些例子可以看出,音乐的情感不是虚无缥缈的情愫,也不是乐感好的人可以轻易做到的。 3.留白怎么做 音乐的留白部分常常被忽略,它通常出现在演奏之前、段落衔接处、乐曲结尾以及作曲家有意为之的地方。虽然这些地方不用演奏,但它们也应该是有音乐的。 当你准备演奏时,就已经进入音乐状态。这应当成为一种习惯。演奏前的留白,沉静的状态能帮助你进入状态,随着留白带起的情绪,选择缓缓抬手,抑或爆发式的快速出手。而在段落的衔接处,留白就更重要了,前一段的音乐是否真的消逝干净?后一段音乐开始前,内心情感转换是否妥当?一个音的结束,不是在琴弦发生后就结束了,还应考究,它在作品中承担什么角色,以及你赋予它什么角色。当你觉得段落衔接不畅,前言不搭后语,那多半是这里的留白出问题了。曲终也是如此,强收也好,弱收也罢,让最后一个余音清晰地走完,才是真正的结束。 还有一种是作曲家刻意留白。通常在引子、华彩段落中出现。节奏自由,每个音长短不一,这給演奏者留下了自主发挥空间,取决于演奏张力和对作品的安排。音与音之间可以被拉的很长,这个留白的时间,也是有音乐存在的,并非弃之不管。就像有的摄影作品,画面大部分是空白的,只在局部存在一个物体。但正是这种大面积留白,才反衬了这幅作品的张力,给予强烈的视觉冲击。 如前所述,我主要从技术角度谈论如何帮助学生更好的表达自己。但音乐最难以捉摸的部分情感从哪里来?如何丰富自己的情感?也令许多人苦恼。 我将在下一篇文章中继续讨论。

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2018-07

传统筝曲该往何处去

说到过去和传统,似乎都比较慢和旧,和现在的生活脱节,但其实传统并不是这个样貌,它的气质是有被误读的,它们其实是无数的经历和经验,也是在过去、现在和未来的每一个当下中,影响着人们的生活。而正是因为有了前人的实践和许许多多时间的积累,它们才成为改善我们生活真正有效的事情。放在那儿的东西,大可以取用。对于传统音乐,也是如此。 当我们在讨论传统筝乐该往何处去时,我们首当想清楚,为何要讨论她,我们讨论传统筝乐的传承真的那么重要吗? 传统筝乐与现代筝乐的关系 很多人都知道传统珍贵,但内心却抱着当代人应当弹这个时代作品的想法。没错,作为21世纪,与最发达的工具和最先进的科技生活在一起的人,为什么要去弹传统的、旧的、似乎与这个时代脱节的作品。那当我们在演奏当代作品时,真的就可以不用与传统作品发生关系了吗? 现代作品层出不穷,想要演奏好作品,必然要知道作品要表达什么,如何表达。仔细剖析便会发现,很多诞生于这个年代的作品,其中依然被安插了许多与传统相关的素材。那作曲家为何要这么做?我们生活的时代、环境千差万别,但共鸣这个东西它一直存在。正如伯牙子期的故事,让重游琴台的人遥望千年旧地,依然感叹当今知音难觅;在现代筝乐作品《阑隐花珊》中,引用了柳青娘的片段,柳青娘的气节与作品要表达的高洁自持、娴静高雅的人生境界和哲理不谋而合。超越时间、空间的理解,不会因岁月、际遇、环境的不同而磨灭或忘却。 中国美术学院象山校区建成后,一度成为艺术爱好者和游客慕名前去参观的景点。他的设计者王澍,盖过大大小小很多有名的建筑。他的建筑有一个十分显著的特点,利用回收的废砖旧瓦作为建造的材料。在盖象山校区时,他从各地拆房现场收集了,700多万块不同年代的旧砖弃瓦,然后让他们在新房子上恰到好处的得以新生。王澍这么说,新材料建成的房子是没有回忆的,但我的这个房子是有回忆的。 如不是将民族文化镶嵌于基因,利用不妥,恐成笑料。传统音乐之于现代的意义,同样如此。 你说,我们何以不解读传统? 传统音乐的失传与传承 传统文化的失传,无疑更加令人痛心。都说筝拥有两千多年的历史,据考证秦时就有筝存在,但筝以何种形态存在的相关具体资料却是少之又少,真正的乐谱记载、流传在近200年的时间里才真正出现。目前可挖掘到的乐谱仅有唐代筝谱、潮州二四谱、西安鼓乐筝谱、弦索备考等。近年被重新记谱、演奏的《弦索十三套》便是很好的例子,《弦索十三套》是18世纪以前的产物,但直至1814年(19世纪)才被荣斋以工尺谱的形式记录下来,是我国最早被记录下来的弦索谱。之后,一直被搁置,直至1955年,由曹安和先生译成五线谱。 即便如此,其中依然存在很多疑问。譬如,仅依据《弦索备考》记载的乐谱,如何证明是对明清时期弦索音乐风格的准备把握和完美再现?考证过去最好的方式便是对历史的记载,传统筝乐就是活着的历史。如果历史没了,根基没了,我们还弹(谈)什么? 以上,并不意味着我们在传承上必须分毫不差的模仿他们的演奏,记录是为了后人拥有更多的参考依据,是学习的过程,不是学习的最终结果。 了解传统音乐的人都知道,以备忘录式记载的工尺谱,不同于西方严谨的记谱方式,工尺谱仅有乐曲板式和骨干音,其中风格音程无法被标记。如4、7二音在不同流派中表现各异,仅靠口传心授才可找到规律,不致于张冠李戴。乐谱不完全是演奏依据,加花减字等变奏手法全凭师承与个人喜好,以致每名演奏者同曲异奏,音响效果差别极大。过去,师徒制关系的筝乐传承中,工尺谱不过是备忘录,助力教学。一旦派系师承中断,意味着一种演奏风格(方式)失传。 今虽有乐谱视奏,不至于失传,不过乐谱无法完全记录演奏中的细微演奏手法,口传依然起着非常重要的作用。我们不应让细致记谱,促成习筝者不细致揣摩的局面,乐谱是前辈为了传播筝曲做出的重要贡献,我们有幸认识如此美妙的音乐,功劳在于他们。 值得我们深思 当看到年过90高龄的艺术家被人搀扶着站上舞台,我们为他们感到骄傲,但也有些心痛,他们舍不得放下手中的乐器,更是舍不得手艺后继无人。他们终究有老去的那天,如果可以,有一天当我们拥有一份只有骨干音和板式标记的乐谱时,也可以游刃有余的演奏属于每个人的音乐。我们不再需要在音乐会或者考试中,听到几十遍一模一样或者风格不着调的《柳青娘》和《出水莲》。这或许是我们期待的传承传统音乐最骄傲的方式之一。 传统之复杂,传承之艰难,寥寥数语难以尽述。作为筝人,我们有回望传统的热忱,有时却无沉潜专研的耐性,尤其在当下,音乐经济比过往繁盛,筝乐市场花团锦簇。 有更多人愿意沉潜数年,只为探究传统样貌,学界继承传统筝乐的努力层出不穷。从最初在乡土间,弹筝人凭着热忱坚守;传至城市,部分文人雅士对民间筝乐作品进行修订、整理、提炼、升华;解放后,不放过任何交流机会,南筝北传、北筝南下;我们的师辈,穿梭于民间一一记录老艺术家的演奏;今天的我们,得以拥有乐谱、文献、影音资料,更有平台以及广泛的交流学习机会,那么,到我们了,可以为传承做些什么?

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2018-07

解决孩子古筝学习问题,要从塑造环境入手

又是一年暑假,对于学琴的小孩来说暑假不仅仅是出游和写作业,还要面对接踵而来的器乐比赛和考级。一年的学琴成果如何,是骡子是马,拉出来遛遛才知道。 很多人自然会想到,那些比赛中拿名次特别靠前的选手,他们拜师名门,有着良好的音乐天赋。而这些优秀的孩子跟谁学,怎么上课,也相继成为了许多新学生的家长会参考的依据。(虽然,有的老师桃李满天下和他的教学方法有一定关系,但并不足以表明,跟着优秀的老师学就距离优秀两个字不远了。)近期,我也陆续收到了一些学生的捷报,还有一些学生正在备战考级。这些学生中有教的比较省心的孩子,也有让我教的很费劲的孩子,我观察这些学生,他们的进步跟以下几个方面有着密切的关系。 首先,家长要明白的是,不同年龄和水平的孩子,以及不同的家长,在学习乐器方面的需求是完全不同的。 比如学习安排比较满的孩子,可能很难配合他人的时间一起上集体课,那ta就更适合一对一的课程,但也因此失去了和小伙伴共同成长的乐趣。如果孩子年龄小,很容易失去兴趣和耐心,那三五成群的小组课可能更加适合ta,在此基础上,如果有标准课件、系统学习方法的机构,学习效率会更高。但相比一对一,老师分配到每个孩子身上的关注度有限。所以,这样看来可能没有完美的教学模式。 但以上并不是影响孩子提高琴艺的关键,更重要的是学习总时长。 为什么有的孩子上的大班课,一年下来学了不少曲子,各方面素质都不错。为什么有的孩子即使是一对一的教学,一年下来也没学到什么。其实原因很简单没练够。 学习乐器和学习英语一样,都需要重复性训练。如果只靠每次上课的几十分钟学习,肯定是不够的。 功夫在课外 一些培训班为了防止孩子出现回家不练琴的情况,将课程时间打碎,安排为一周多次课。有家长就问有必要上这么多课吗?如果你家没有琴、或者孩子在家不愿意练琴,选择这种上课方式未尝不可。这种既是课堂又包含了练琴的教学,可以保证每周的练琴时间,而在老师的监督下练琴,也会将效率最大化。 我也有外地学生是两三周上一次课的,但每次来都有很好的反馈。虽然是业余学琴,但她以同组最小年龄在小金钟比赛中拿到了名次。是因为我教的好,还是她特别有天赋?关键在练琴,她一有休息时间就在练琴,每次上课都拿录音笔录下来,回去找各种优秀演奏家的录音学习。 很多家长在为孩子选择课外班时,一个也不想放弃。乐器、跳舞、体育、语数外等等,全部都上。而孩子的时间是有限的,在有限的时间里,每门课程都是蜻蜓点水式的学习,可能导致什么都学不会。家长与其考虑学什么乐器,找什么老师上课,不如想想孩子学了是否能保证学习时间。 提供同伴激励环境 这在集体课或者小组课中比较容易起到作用。 我有几个学生选择上小组课,同伴是同时入门的同龄孩子。在上学期间,三个孩子练琴的时间都不太多,因此效率都不高。孩子们在教室里有一个排行榜,按时完成作业、并且在课堂上认真学习的孩子可以得到一个笑脸贴画。刚开始,大家的差距并不太大,都没有把弹琴太放在心上。在暑假时,为了让他们跟上进度,开始了一段时间的集训课。 虽然是每天上课,但孩子们并没有表现出接受不了这个强度,反倒是进步迅速。 首先,持续性的练习让他们更容易沉浸在学习的氛围中,而不是下课后把课程就扔在脑后。而这样的氛围一个人往往很难营造,需要有志同道合的小伙伴,在你追我赶的氛围中找到。 回到上面的排行榜,几位小朋友由于上课和回作业的成果不同,在集训课阶段逐渐拉开了差距。表现好的小朋友得到的笑脸要多出好几个。在一次课中,一位笑脸少的小朋友由于前一天没练琴,索性借着不舒服的由头罢弹了。我也不强求,在这样的环境下好与不好孩子心里跟明镜一样,过度打击反到容易激发他们的逆反心理。 果然,在第二天上课之前,这个孩子早早的来教室,表示要先练一会,因为昨天的课程没跟上,下课别人都有小笑脸,她只能默默的走出教室。那一节课,她非常踊跃的举手要第一个回作业,并且下课后主动询问能不能得到笑脸。 而这个小朋友的积极反应,也激发了课堂上其他小伙伴的热情。原本课堂上不敢举手回答问题的孩子,也开始争着回答。之后的每节课我们都上的很愉快,甚至在下课后学生说,老师我还没上够呢。就像蝴蝶效应一样,一系列的反应都是前后关联的。 为了获得笑脸,与小伙伴竞赛,小朋友懂得了努力。ta要付出更多的时间来练琴,而笑脸的激励在集体课中效果被放大。如果集体课能持续一段时间,孩子也能慢慢养成好的练琴习惯,并且有了稳定的同好朋友圈,日常也可以互相交流学琴心得,互相鼓励。这个过程也能让孩子慢慢懂得,用心努力会有回报,不只是笑脸贴纸,还有好伙伴。渐渐的,孩子会从被动学习转变为主动学习。 而老师在这个过程中,并没有比平时付出更多的精力,只是营造了一个良性的互相激励的氛围,激发出学生的学习兴趣和动力。当然,正如文章开头提到的,集体学习只是教学模式之一,同伴激励的环境也并非只在集体课中才能实现。而且,不是每个孩子都适合在竞争环境下成长,有些孩子可能更适合自主学习。总而言之,孩子学琴是件复杂的事儿,不是教给好老师就能事半功倍,也不是虎妈式威逼利诱就能解决难题,还是得多听多看多探讨,找到最适合自己孩子的那个方法。

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我在探寻音乐情感上走过的路

音乐情感是最道不清说不明的东西,它牵涉的面又非常广。所以,我决定和大家分享一些我学筝过程中,探寻情感的一些经历。 一、准确的描述,进入情境。 上大学时,我的专业老师在审美上对我产生很大影响。她是一位极具探索精神的演奏者,一直走在学术前沿。在她的影响下,我开始接触各类现当代作品,并喜欢上这些作品。上大学之前,日本作曲家三木稔先生的作品我都会觉得过于生涩。从大学开始,我不再受到作品风格问题的困扰。 我的老师在教学中,不仅具体教我如何演奏一首作品,还花了很多精力为我搭建背景知识的框架,告诉我们一些创作和演奏中的灵感,既給我们指明方向,又给我们创造空间去探索。她对作品背景和内容的描述,是我获取这首作品信息的重要渠道。也就是说,她給我传递了什么,我对作品的理解就会被带至某个方向,她的描述格外重要。 让我印象深刻的一次,在她的古筝重奏课上,我们学习了由她创作的一首作品《水墨淡彩》。她说,这首作品的创作过程非常顺畅,仅花了几天时间。在创作时,她像进入梦境一般,脑海里闪现出许多奇妙的东西,一些毫无关联的物品变换着出现。可能是闪烁的水晶,也可能是蛋糕、水果,非常梦幻。 这首古筝二重奏是以客家筝曲《出水莲》为基调创作而成的,第一声部采用较多《出水莲》的旋律,有原型也有变形后的动机。而二声部则是相对比较支离破碎的声部,就像一声部的对立面,它的出现不断打破一声部旋律的平稳型,給人造成对立、冲突的形象,就像内心偶尔出现的小怪兽一样,既有纠葛、较量,也有顺从。 通过了解这些信息,当我再演奏时,内心立马会产生许多想象。这些想象可能在每个人心中都不一样,因此每个人的表达也会是千变万化的。老师在传递信息的过程中,并没有具体规定某一个音该如何演绎,而是打开我们的想象之门。 写这篇文章时,我采访了一位同学,她的记忆里也有这样的时刻: 在学习《太阳的影子4》时,老师的讲解給了她很多启发。初听秦文琛老师的作品,常给人留下很现代的印象。但在上课的过程中,老师告诉她,秦文琛的作品表达的内容是很民间的,他只是使用了一些现代的作曲手法。秦老师从小生长在内蒙古,家乡有他小时候的全部记忆,因此他的作品和他的家乡往往有着深厚联系。 比如,作品的第二部分长调是一段古老而悠远的旋律。老师分享时说,音乐中的画面就像是描述七八十年代的街头巷尾,你会听到各种嘈杂的声音。在这样的引申下,我的同学想到了街角的叫卖声,补鞋摊发出的叮叮当当的敲打声,以及艺人在路旁拉琴耍杂的画面等等。 作品最后一段弦上的歌出现了一个特殊音响用硬币在琴弦上摩擦发出的声音,是模仿蒙古族四胡的声响,这是作曲家儿时记忆里的声音。这个特殊的音响配上左手飘渺的旋律,就像是远处的光亮一样,它只存在回忆中,看得见却摸不着,离你很远很远……根据这些描述,她在演奏过程中寻着这样的路径,摸索她想象中关于这个画面的音乐。 老师这种方式给了我很多启发,我也把它传递给了学生。当我面对学生时,也給了他们很多这方面的帮助,而不是仅仅手把手教他们演奏每一个音(当然,细致的调整每一个音也很重要,那是另一个维度的)。我发现,当你給学生传达更加准确的背景描述和更加丰富的画面感时,对学生来说是受益匪浅的。 二、阅读 我们很难有机会去采访每一个创作者,也很难知道每一首作品诞生的背景故事。当面对同一段短小的作品介绍和音乐语言时,拥有不同生活经验的人探索到的厚度也是不一样。 生活经验决定了你的触角是否灵敏,处理信息是否准确。生活经验不单指吃喝玩乐,是生活中一切与你相关的事物。这些经验的总和置放在我们大脑的仓库中,要让经验的基数变得足够大、足够丰富,我们才有可能更准确的提取和安放,才能作更细致的划分。但往往获取经验的方式是有限的,我们不可能尝尽世上所有事情、体会所有感情。阅读,是获取那些无法触及的经验的重要途径。 工作后,我才开始读一些书。幸运的是,我的家属很爱读书,书的品质也比较高。所以在阅读内容的挑选上,我少走了一些弯路。不管是小说、杂文,还是知识类的书籍,我摸索着阅读。慢慢的,总有些只言片语和我碰撞出火花来。这些碰撞可能是击中了记忆中的某些心绪,也可能是提出了我内心的疑惑,抑或缕清了某些线条。 比如,阅读李泽厚老师《美的历程》,就给了我很多启发。这是一本讲中国古代美学的书,但写的一点都不教条、生硬。从先秦到明清,作者总结了每个时代在美学上拥有的特质,加以作者独到的见解,它給我带来的冲击和灵感都是前所未有的。 几年前看过李萌老师创作的筝乐剧场《人生几何?!》,作品的序《说明书》是一首很有趣的作品,它用古筝的滑音不停的模仿人生几何这几个字的发音,给我留下深刻印象。当我看到《美的历史》魏晋风度人的主题时,作者提到了一个关键词人的觉醒。他说,诗句昼短苦夜长,何不秉烛游表面看起来似乎是无耻地在贪图享乐、腐败、堕落,其实,恰恰相反,它是在当时特定历史条件下,深刻地表现了对人生、生活的极力追求。我瞬间就想到了《人生几何?!》,简直有异曲同工之妙,表面看似反问、感叹,但实质上不也标志着人的觉醒吗?是对旧有传统的怀疑和否定,对自己的生命、意义、命运的重现发现、思索和追求。我惊于作者的深刻,他没有用华丽的辞藻,却把人的内在人格表达得如此深刻,每一句话都如此掷地有声。我想,如果有机会演奏《人生几何?!》,我的感受一定比没读到这本书之前要强烈。 读一本好书,可以说是站在巨人的肩膀上看世界,它让你以最快的速度汲取各种养分。但读书又是一个很慢的过程,你想要的答案不一定随时会出现。你能做的就是不停的读,不停的练。待你积累的足够多时,那些小惊喜、小碰撞,将会在你脑海里随时涌现。

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2018-08

专业集体课也可以拥有高水准

上学期间,有一门课没在我的课表里,它随机出现,并且课程时间长,但我和我的伙伴们都很珍惜这门课的时光,它就是专业集体课。上学时,我的老师刘文佳老师,在专业主课之余,自发为我们开设了这门课,它可以承载各式内容,范围可大可小。课堂上,同门师姐妹围坐在一起观看彼此的演奏,互相学习研究,这个过程中大家受益良多。 集体课通常有以下这几种内容: 1.考试之前,在校同门聚在一起观摩、点评; 2.就某一课题或者作品,相关的人聚在一起观摩、学习; 3.科普古筝演奏之外的知识。 学习内容不同,侧重点也不太一样。但有一个共同的基础,在集体课上学生是主角,老师更多的起到了点拨和总结的作用,而非等着ta将知识灌输給我们。这也是有别于一对一小课的地方,学生不仅仅等待着老师的点评,在座的每一个人都能自由表达想法,同时还可以听取别人的意见。 一、考试之前的观摩 考试前的集体观摩是最常见的。考试前一周,许多老师都会组织大家进行观摩,有时会选择在考试场地提前模拟一次考试场景,意在让大家更好的适应这个环境,及时发现问题,避免考试时出现不必要的失误,场景的模拟还可以减少紧张的心情。这个过程与演出前的彩排非常相似。 重点来了!!!在我们的集体观摩课上,所有的学生不仅要轮番上去演奏,并且,每个人都要为演奏的同学点评一遍。你是不是好奇,那得花多长时间?没错,通常二十多个人,每人演奏两首考试作品,听取所有人的点评,从早听到晚要花整整一天的时间。但是,很少有人错过这样的机会,或者中途离开。平时很难有机会把所有人聚在一起,日常练琴都是一人埋头苦干,考试时也仅仅是评委几人看到,如果不刻意制造机会,几乎没有可能凑齐那么多人。 作为观摩者,通过大量的观摩学习,我们不仅可以汲取不同演奏者的优势,并且在你为所有人做点评时,也是一个输出的过程。你会带着问题去欣赏作品,注意力会更加集中,而不是看过就忘了。作为被观摩对象,你为他人演奏时,更加容易暴露出平常不易察觉的问题。当那么多双眼睛盯着你,必然会紧张,那么平时练得不到位的地方,很容易会露出马脚。再者,听取不同的声音,会让你更加客观、全方位地审视自己。 所谓,三人行必有我师,这大概是最好的写照了。 二、专题课的集体学习 每学期课程中,我们通常会有一首作品或一个流派,是每个人的必弹曲目。在学习一定阶段后,老师会找一堂课把所有学习同一首作品的人聚拢,共同探讨。当面对一首颇有难度的作品时,我们会将它拆解,逐句逐音的分析。可能一堂课的时间,我们只分析了一个引子。 一部作品一定会有它的难点,它的难点如何分布、如何呈现是多样化的。印象很深的一次课,我们学习《风之猎》,由作曲家陶一陌先生创作。作品描写了凛冽的寒风中,猎人在森林狩猎的场景。这首作品,我们面对的第一个巨大挑战是技术几乎通篇的双手轮抹。但没想到,轮抹还没到,在引子中,我们就遇到了障碍。一组大跨度的快速和弦,让许多人都栽在上面。每个人演奏一遍,通过对比马上就知道各自的问题出在哪里,是反应不够灵敏,还是指尖不扎实?别人的手反应快,我又和她差多少,非常直观。 同样,音乐上也有不同的难点,大到宏观的想象,小到某一个音。比如,《风之猎》引子中第一个音是强奏。但为什么有人的强奏让人觉得音乐到位,而有的人演奏却让人觉得不舒服。通过交流、对比,能直观地找到问题所在。这个音表达有问题,可能是发力过重过硬,把音弹死了;有可能是太早的泄掉,导致张力没到等等。要注意的是,互相学习并不是要生搬硬套模仿某一个人的演奏,而是通过互相交流观摩,打开思维。在你的思考之余,还有什么其他可能。 在学习传统音乐时,也是所有人参与进来。在上集体课之前,大家要提前回去做功课,查阅相关的演奏信息,然后再在课堂上进行分享,而不是一味的听老师讲。主动学习的好处是,可以让知识渗透的更好,带着自学过程中遇到的问题,在课堂上解决掉,效率会高非常多。并且,有准备的参与,更能激发大家的学习热情,当每个人都有备而来时,会充满自信,更加的有表达欲。而填鸭式教学吸收的信息量非常有限,很可能还没来得及消化就忘记了。 三、科普音乐知识 学习古筝演奏仅仅知道怎么弹琴是不够的,琴童家长和古筝老师都知道,现在考级增加了音乐基础考试,这充分说明对旁门类知识的学习越来越重要了。若非学校强制开设各类必修课,我想我也不会去触碰这些知识。但不得不说,这些课程帮助我在古筝学习道路上,走的更远更深。 这里我要说的不是视唱练耳、乐理等课程,同样也是我的专业老师在教学之余,为我们开设的音乐普及课程。在这些普及课上,我们认识了专注于青少年音乐普及工作的中央音乐学院周海宏教授。第一次知道,古典音乐居然还可以用这样有趣的方式被普及;欣赏了谭盾先生的各类作品,他的《地图》、《鬼戏》、《水乐》、《纸乐》等,每一首都妙极了,可以说为我打开了接近中国当代音乐的大门。 这些东西看似无用,却实实在在对我产生了深远影响。当我在教学时,我常常会考虑,如何以孩子能接受的方式,引导他们真正喜欢音乐、喜欢古筝,周老师的课可以成为借鉴样本。当我在欣赏作品时,逐渐有了自己的判断标准,我在接受它们的时候,我的内心变得更加自由了。 这些仅仅是我在学习过程中的一点小体会,它让我受益匪浅。感谢我的老师在教学中毫无保留赠予我们这些宝贵的财富。我想,应该有更多人尝试去做这些事情,它并没有那么艰难,但会改变许多人心目中音乐以及古筝的样子。

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2018-08

带孩子去现场听音乐

每年的暑期音乐会,有一些是为孩子们准备的,家长自然不会错过这个好机会,带孩子们走进音乐厅,感受真实的现场演出。 为什么要听现场演出? 在录音技术如此发达、电子设备如此先进的今天,我们为什么不在家听音乐,还要花费时间金钱到音乐厅欣赏演出呢?我想,亲临过现场的观众不会认为它们之间有什么矛盾。 我记得小时候,在妹妹家,姑姑总是会用磁带放贝多芬的交响乐给我们听,朦朦胧胧的年纪,被启蒙了《命运交响曲》,但交响乐还是离我很远。第一次现场听交响乐是小学三年级,很幸运,第一次看交响乐就是指挥家彭家鹏先生挥的。我依旧记得第一次看到他在舞台上飞舞时的心情,内心的小火苗瞬间被点燃,过去从没有想到现场聆听交响乐原来是如此震撼和有感染力。声音有时候从左边传来,有时候是从后方飞出,一到高潮大锣大镲震耳欲聋的掀起。他整个人似乎长在了音乐里,蓬松卷曲的长发飞上飞下,身体随着音乐起起伏伏。美好的体验就这样降临了。 当然,我们去现场听音乐会,并不仅仅是因为它比录音更美好,恰恰相反,现场是真实的,有惊喜也有失望。那么,我们需要以录音作为标准来衡量这场音乐会的优劣吗?首先,我们要明确一点,录音是录音,现场是现场。尤其是一首你通过录音熟知的作品,在听现场时会觉得声音怎么会和录音有差距?有时差距还不小。 现场能听到什么? 世上有很多在唱片里比现场好的演奏家,也有大致相符的演奏家,但也有录音无法捕捉到他美妙音色的演奏家。像古筝领域中,我的老师李萌,她现场演奏带给我的感受是录音难以捕捉的。她的演奏不在追求每个音色多么漂亮、圆润,而是耐人寻味,因此在现场你才更容易感受到她的气场和声音是多么的坚定,你能从她的琴声中听出她追求的世界。 而有的人唱片会比现场更好。为什么会有如此不同的差别?这个问题或许录音师可以告诉你,比如音量比例问题,不同频率与色泽的录音难易,还有耳机和音响的差别等等,都会造成一定程度的失真。常听音乐的人应该知道HIFI这个词,它的意思是高保真,能够最大程度还原/接近原唱的声音。但它只是最大程度的接近,而非一模一样。所以录音比现场好的演奏者,有可能在录音棚状态更好,也有可能TA的音乐经过大量修饰。 不可预料的现场 每次现场演出我们都希望能展现最完美的自己,但刺激总是伴随左右。记得古筝演奏家王中山在演出过程中曾遇到好几次断弦,有时意外甚至出现在乐曲中间,停也不是,不停也不是。但经验丰富的他,选择换音区灵活变换演奏,在一些实在无法避开的段落即兴改编,提前找到出口下高速。这些意外让现场观众不禁为他捏把汗,却又不得不为他的即时反应大声喝彩,这些境况恐怕在录音中是遇不到的。所以,一场演出精不精彩,并不是仅凭错没错音来评判。 当下,音乐表演更被认为是一门舞台艺术,它的每一次呈现都是唯一的。我们希望每一次演出更加精彩,但也无法避免再精心的准备也会出现失误。正是因为它一直充满未知,所以它要求演奏者时时刻刻充满职业精神,以谦卑的姿态在舞台上前行,因为只有这样才能不断进步。这也是我们要去音乐厅揭开每一次不同面纱的原因。

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2018-08

学好古筝需要一个好的打开方式

想让孩子愿意练琴,打心眼里喜欢古筝,家长可以做些什么呢? 先给大家讲个故事 我的闺蜜一直嚷嚷健身减肥,我多次安利她在家就能健身的app,把我参加的减脂营里发的菜谱以及训练方式全部分享给她,鼓励、刺激全用上,万事具备,只需她伸伸胳膊、抬抬腿,顺便再忌个口就行了,好像也不是很难哦?可她还是一点儿行动都没有。有时候实在受不了我的刺激,在家练两个卷腹就说自己头晕想吐,不能再练了,健身这件事儿就一直被搁置。 自主学习真的这么难吗? 前不久,闺蜜婚期临近,减肥大计又被提上日程。这一次,她放弃了之前的策略,去健身房办了张卡,还请了私教,轰轰烈烈开启了健身模式。我以为她怕苦怕累,坚持不了几天就会放弃,没想到过了一段时间,她跑来跟我说,她好像有点爱上健身了。她的经历突然让我茅塞顿开,我捋了一下她健身前后的经历,发现一件很重要的事情:一个好的打开方式很重要,它在让你爱上这件事中起到了举足轻重的作用。 我们不妨分解一下她的经历,她之所以爱上健身,有几个因素合力起了作用。1.专业的方式,她请了教练辅助她完成这件原本有点困难的事情。2.拆解,教练根据她的个人情况,将课程中的动作拆解,循序渐进带她练习,让她减少了许多心理负担。而不像我,一股脑把自己的经验塞给她。3.专业装备,决定健身后她买了全套的装备,从头到脚一身新,有的是必需品,有的装备只是为了給自己增加仪式感。但不得不说,齐全的装备会增添锻炼欲望,仪式感很重要。4.鼓励陪伴,健身时,教练在她坚持不下去的时候,为她打气,陪伴减少了她孤军奋战的失落感。我也不时反馈我看到的她的成长,比如今天肚子好像真的小了,明天肩膀更漂亮了,等等。5.最后,她有一颗想瘦的心。 她的感受发生转变,我想原因一定是复杂的,多种因素杂糅才可以引起观念质的转变。这不跟我们学习古筝一模一样吗?好多家长苦恼,一开始孩子是喜欢古筝的,但随着学习的推进,孩子不爱练琴,或者练琴不认真等问题相继出现。家长和老师或许可以反思,孩子的状况不是单一原因造成的,可以尝试从多个角度入手解决,比如我前文提到的几个角度。 专业的老师,专业的装备,这是两个必备条件,在这里我就不再赘述,前面的文章都有谈到。下面我着重聊一下两个问题。 一、拆解 内容拆解包括练琴和教学。练琴时将内容拆解练习非常重要,将重难点单独挑出来着重练习,这样可以效率最大化。而教学中的拆解同样也很重要,但常常被忽略。学生在学习过程中,同一个句子中,可能存在多个问题,比如同时遇到节奏不稳、手型不对、指法不对等问题。我知道大多数老师都有强迫症,眼里容不得沙子,我也是,常常看见学生节奏不对了,就停下来说节奏问题,说着说着发现手型不对了,又从节奏问题跳到手型上来。但你会发现,说第一个问题时,ta可以较好的处理掉。这时,你以为ta已经掌握了,于是加入了第二个问题,接着又加入第三个。随着问题的增加,第一个原本以为解决掉的问题,它又出现了。最后的下场就是,累死累活从头说到尾,反复来回说,学生却一个问题也改不好。更好的解决办法是,在多个问题中,老师挑出认为最急迫、最重要的问题,优先解决。其他的次之。 孩子的大脑相当于低配版的cpu,内存有限,处理问题的速度也有限,当我们同时启动多个程序时,ta非常容易当机。我们以为ta解决了第一个问题时,实际ta只是知道如何解决,并没有真正掌握和消化,而消化是需要通过一定时间的累积才能做到的。这时,我们不如一节课就只解决一个问题,比如手型问题,其他的问题可以暂且搁置,忍一忍,留到下节课再解决。 这样的好处是,回家练琴时可以减少孩子的心理负担,增加练琴的兴趣。千万不要教条地认为,孩子应知难而进,大多数孩子只会因为过强的挫折感,导致好奇心变得脆弱。培养孩子的兴趣,我们没必要太着急。放平心态,不着急,一点一点慢慢来。 二、关于鼓励 1.更加明确的鼓励 鼓励式教育一直被格外倡导。当孩子学习有了进步,我们通常会想到要及时赞赏他们。那什么样的赞赏才更容易让孩子获得成就感? 不妨设想一下我们的经历,完成领导交付的任务,ta分别反馈两种信息,一种是:不错哦,有进步(或者,棒极了!)。另一种是,我认为你xx部分比上一次有进步,或者,我认为你xx地方做的非常好!两种回馈,哪种更加激励你?我更倾向于第二种。首先,当你得到更加准确的信息反馈时,你可以确定对方在意你的成果,悉心关注,而非敷衍了事。第二,准确的信息让你能够知道自己哪里有所改善,哪里还需加强。 同样,我相信,如果孩子得到更加明确的鼓励,所获得的成就感可能更扎实。而盲目的夸赞,对ta来说有可能是一堆无效的信息。 2.不要急于批评孩子。 老师通常会要求孩子课后练琴时间不少于5次/每周,一开始家长与孩子在口头上会达成共识,回家要自觉练琴5次,但实际上一周往往只练两三次。这时候,家长不要急于批评孩子不守信用,可以试着先鼓励她:在这周的两次练琴时间里,孩子不用督促就可以完成作业,这让父母轻松不少,连爸爸妈妈的心情也变得愉悦起来了。父母开始有了单独的时间和空间完成工作,而不是拖到孩子练完琴才能做自己的事。 由此,孩子们的责任感和成就感就被树立起来了,ta也更愿意朝着远处的目标进发。 鼓励过后,家长还要和孩子一起分析,为什么那两天可以自觉练琴?是作业比较少?定了闹钟?还是其他原因。家长的复盘工作很重要,尝试找到真正的原因,而不是批评孩子不努力不用心。直接的逼迫,使孩子能意识到错误,却不知道如何调整自己。 如果最后的原因是因为孩子懒,情绪不佳。不妨心平气和的与孩子深聊一次,让他们学会对自己的选择负起责任来。

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音乐欣赏没这么难

1、音乐何需懂不应该要求听众在音乐中寻求具体的表现内容 一份调查显示了北京六所高校大学生对西洋古典音乐的接受程度,其中不喜欢严肃音乐的原因占比重最高的是:听不懂,不知道表现的是什么。 高山流水遇知音是我国流传千年的音乐故事,大家从小耳濡目染,这个故事暗示了一种音乐审美的观念:音乐中包含着各种内容,说不出表现的什么,是因为你听不懂。由此就被冠以没有音乐细胞、不适合学音乐的标签。而人们通常所说的不懂就是指:不能明确指出音乐的表现内容。 音乐艺术基本材料音响的两个基本属性:一是没有视觉性,所以不能直接传达视觉形象;二是没有语义性。人类说话的声音、语言是一种符号,每种符号具有特定的含义。而音乐是不能传达某种特定的含义,不能直接传达思想概念的。高山流水的故事却从主观上給听者造成了一种审美压力:要从音乐中听出视觉性、语义性的内容。 其实,作为一个职业的音乐工作者,我们在不知道作品标题、作品简介的情况下,同样也不明白音乐描绘了哪些具体内容。要强调的是,在欣赏过程中,我们不一定非要听出明确的概念性、视觉性内容,也不一定非要用文学化、美术化的内容去解说音乐。这是聆听过程中的一个大误区,成为我们欣赏音乐中的障碍。 2、如何懂音乐了解一点联觉理论 什么是联觉?举个例子,巧克力和薄荷糖(味觉)、低音和高音(听觉),如果让这两种东西发生联系,通常我们更倾向于认为高音像薄荷糖,低音像巧克力,这就是将味觉和听觉发生联系,成为联觉现象。 联觉是人类都有的基本感觉,日常生活中的联觉现象是大量存在的。它使音乐这门声音的艺术,能够表现视觉、情绪、概念等非听觉性内容的原因。 如果我们是作曲家,当我们准备创作一首哀乐时,会选择低音还是高音?显然是低音。会选择慢速还是快速?慢速。下降的旋律还是上升的旋律?下降的。肖邦的《葬礼进行曲》就拥有这样的特质。中国作品中也有类似的曲子,比如耳熟能详的《小白菜》,慢速的、下行的、偏向中低音的旋律,我们会觉得听不懂吗?显然不是的。虽然敏感的联觉、丰富的联想是理解音乐的前提条件。但是大家不用担心自己的联觉能力,它是所有人都存在的,并且是天生就有的,不仅作曲家拥有这样的系统,我们普通人也是如此。 就像许多宝宝听到音乐会手舞足蹈,看起来很有音乐天赋,许多家长以为自己生了个音乐天才。其实这是人与生俱来的本能,只不过随着我们的成长,这种联觉逐渐在消失,我们要努力的就是保持这种联觉。 因此,并不存在听不懂音乐这样的难题,就看你是否关注他。 3、我理解的对吗?音乐理解何需正确! 我觉得这首曲子表达的是。。。。,可是我的理解正确吗? 我的理解为什么总是不对?怎么和作曲家的创作意图不符? 因为音乐只有五种基本特征:音高、强弱、速度与节奏、发音速度、紧张度。所以很多事物不能直接通过音乐表现出来,比如家具、水果、长相、博爱、经济......等等。大多数作品,以及每首作品的绝大多数部分,作曲家都没有透露表现意图。而作为解说者,绝大多数乐曲的内容,都包含了解说者的个人主观想象的成分。我自己也从事着这样的工作,试图通过解说筝曲为大家揭开作品的神秘面纱。但作品简介只是我参考的资料之一,在解读时常常会加入自己的主观印象,并不全是作曲家本人的意图。我这么做是想告诉大家,我可以这么解读,那你也可以顺着自己的感受,做出不同的解读。 不仅是我,专业演奏者之间对同一首作品的解读相差也非常大。大家不妨去听一下两位优秀的演奏者:苏畅和赵墨佳演奏的《如是》,完全是两种不同的感觉。当你面对的演奏者不同,接收到的信息也是完全相异的。那既然连专业的演奏者都有不同的解释,作为听众的我们更加不要有太多顾虑,怀疑自己解读的是否正确。 4、曲高为何和寡? 当我们认为自己欣赏不了一种音乐的时候,除了不懂以外,很大程度是因为我们的感觉系统不习惯、不适应。就像有的人不喜欢喝咖啡,他觉的喝不懂,实际上是不习惯那种口味,不适应那种感觉。如果拿美食和音乐做比较,酸甜苦辣中,通常甜是最容易被接受的味道,就像音乐中的通俗音乐,而苦、辣、豆汁、咖啡、臭豆腐等口味则是需要一定时间适应的,像严肃音乐。 在严肃音乐中,被许多人认为难听的、不容易接受的音乐通常表现为:1、音调怪、缺少歌唱性,2、太慢、找不着旋律,3、旋律音高太高、太低、太弱、太细腻,4、太吵闹、太紧张。 其实这是审美习惯的问题,尤其是我们生长在中国,习惯了五声调式的旋律,一旦音乐素材中多次出现以上特征,与我们的欣赏习惯相悖,多数人就会觉得不习惯。除了习惯问题,态度也是影响我们接近严肃音乐的一道门槛。就像有的人认为咖啡很苦很难喝,永远也不去尝试,只接受有甜味的食品,那么他永远也不知道咖啡的香。当你的态度发生转变、调试自己的心态,给你带来的体验将是意想不到的。 文章整合自:周海宏课程《走进音乐的世界》

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音乐欣赏有点难

上周分享給大家的文章是《音乐欣赏没那么难》,今天马上就来推翻自己的观点?没错,表面看似冲突的观点,实际上是并存的,音乐欣赏有点难是从另外一个角度来解读听懂音乐需要做什么。听音乐并不等于听懂音乐,听懂是需要经过学习和训练的。 借用美国作曲家艾伦·科普兰的话:从某种意义上说,人们是在三种不同的层次上听音乐的。1、感官层次,2、表达层次,3、纯音乐层次。 一、感官层次的聆听 最简单的听音乐的方式就是取悦自己,你只要找到好听的、喜欢的作品,让耳朵和当下的心情得到满足,这是第一种感官层次的欣赏。此时的欣赏可以不用加入任何思考,比如当你看书或者做家务的时候,打开手机上的音乐播放器,就可以毫无压力的沉浸在音乐中了。音乐的力量就是这么强大,这个看不见摸不着的东西,一响起就能瞬间改变当下的氛围。 如果你还没有把听音乐当作生活中的必备品,更准确的说应该是把听古典音乐(严肃音乐)作为一件稀松平常的事,满足感官体验将是最容易接近古典音乐的打开方式,尤其对于刚开始欣赏古典音乐的听众来说。这一层次的欣赏和上一篇《音乐欣赏没那么难》一样,因为只有你多听,喜欢听,才有后续的发展。 感观层次的享受非常重要,但聆听不应该只停留在最表层的感官享受。因为好听的音乐并不代表它就是优秀的、伟大的,同样,优美的音乐不一定都来自伟大的作曲家。如果按照悦耳程度排名,伟大的作曲家贝多芬就没法排到最前面。因此,感官的享受如果没法满足你的话,或者你不满足于自己只停留于对音乐表层的喜爱,我们不妨进一步探索作品背后的肌理。 二、表达层次的聆听 音乐的第二层表达层次,也就是音乐表达的内容。似乎大多数听众都试图从音乐里找到所要表达的含义,正是这个原因也使许多人对古典音乐望而却步。大家总是有个错觉,即不知道作品具体表达了什么内容,就是听不懂音乐。即便有着自己的见解,又会怀疑自己理解的是否准确。没错,虽然音乐是可以表达意义的,也有很多人希望为每一首作品都解读出含义。但是,你如果想要用非常准确的话语来解释一首作品的含义,并且令每个人都满意,这几乎是不可能的事情。 大多数人欣赏音乐都希望得到一个具体的画面场景,比如描写汹涌的大海、令人缅怀的英雄等等。我在上一篇文章中说过,音乐在不同的情境下会有不同的表达,而听众在不同的情境中聆听,同样也会使听到的音乐产生各种差别。但即便如此,还是有很多人试图从中寻找含义,就像有人觉得《浏阳河》比传统筝曲《柳青娘》更容易听懂,因为用文字来解释《浏阳河》的内容更容易。但是你会发现,一首曲子如果总是反馈给你同样的信息,慢慢的,就会感到枯燥乏味。反之,每次听都有细微差别的音乐,会让这首作品的生命力延续的更长。 所以,我想说的是,音乐可以表达某种含义,但我们不能用过于死板、准确的语言来为它定性。 三、纯音乐层次 大多数人都止步于第二层次就不往后探究了。音乐的第三层纯音乐层次,是除了使人感到愉悦和寻求意义以外,更本真的一层。 音乐原本就是由基本的素材构成的,包含了节奏、旋律、和声、音色。我们通常最容易关注到旋律是否好听,其次是节奏,尤其是带有律动的节奏更同意引起我们的注意。和声偶尔也会有人关注,但结构形式几乎就没人关注了。 音乐作为时间的艺术,我们在聆听时要把之前某个时刻的音乐与前不久刚听到的和即将听到的音乐联系起来,就像一本小说有主人公从头贯穿至尾一样,我们还要记住有哪些关键人物与ta发生过重要的冲突。小说描写的内容更容易被记住,而音乐描写的东西比较抽象,我们要将音乐素材像小说一样串联起来。这不太容易,但必须要记住那些不同时刻出现过的素材,慢慢的你就能像读书一样,找到其中的脉络或者门道。 还有一点要注意,虽然上面将音乐分为三个层次,但在实际聆听的过程中,我们不会只感受到三个层次中的某一个,而是各个层面之间相互会产生连接。就像我们去观看一台话剧,会同时得到多层次的感受。首先,感官层次得到满足是因为舞台上站着的不同演员以及华丽的着装、布景、灯光等,这些元素让我们体会到了愉悦的、具有仪式感的氛围。再来,表达层次来自舞台上发生的各种故事情节,你被感动、被逗的哈哈大笑,这种具有某种意义的内容跟音乐中要表达的某种含义很接近。最后,剧情是如何铺陈、发展的,与音乐的纯音乐层次是一个道理。当你看完剧目或者听完音乐知道某一个主题素材在作曲家手中是如何被发展的,你对它背后发展脉络的认同度越高,你离这部作品或者作曲家就越近了。 如果你经常去音乐厅看演出,就会理解我说的这些层次它是如何同时并存在你的脑海里。 成为这样的听众是不是有点难?想要更好的理解音乐没有什么捷径可以走,我们应该用更加积极的态度去听音乐,无论是什么样的作品。只有当你积累了一定的量,更加有意识的,带着某些目的去听,才能加深你对音乐的理解。

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节奏为什么这么难!

对于初学者来说,学习新的指法并不是一件很困难的事情,常用的指法无非就这么几个,通过简单的记忆和运动惯性即可掌握。相比之下,掌握好另一项技能对于基础阶段的学生来说难许多,它就是节奏。从启蒙至之后的很长一段时间里,许多学生都会在复杂多变的节奏中碰壁。解决这个问题,无非就是熟能生巧,读的多了,自然就不容易出错。但为什么相比认识音符和演奏技法,节奏会更加困难呢? 一、节奏为什么难? 通常,我们看到的谱面呈现的都是一段完整的旋律,里面包含音名、音区、节奏和指法这几种元素,谱面中每个音是以上几个元素的集合。当演奏乐谱时,大脑中的认知系统需要同时识别多种元素,才可以准确无误的弹奏。如果以简谱为例,我们眼睛首先识别的就是音高,其次才是节奏。如果你对两种元素了如指掌,大脑依次识别两种元素的时间差就非常小,而你如果没有牢牢掌握,大脑依次解决问题的时间差就变长,甚至还有可能会出错。 而节奏的另一个难点在于,识别它本身就是一个拆解的过程。每一个节奏型是基础节奏的变形和拼贴,在一定范式内它可以被任意组合,认识它更像是在做一道数学题,将长短不一的拍子组合成规整的节奏,或者将节奏型内部做拆分和解构。只有当你真正理解节奏型构成的原理,才能更好的记住它。 二、如何解决? 我知道一些老师在教学中担心孩子年龄较小无法理解节拍,就省去了讲解节奏的过程,让孩子依葫芦画瓢,直接模仿。其中的弊端显而易见,孩子在这首曲子中能够正确演奏,下一首乐曲中同样的节奏型对ta来说又是全新的。识谱的能力他永远也不会得到提升。 第一步 首先,上课时我们要记住每个拍子的时值(长短),这是之后掌握各种节奏型的基础。稍懂音乐的人都知道,长短不一的拍子并不需要死记硬背,其中有许多规律可循,就像会武功得先打通任督六脉。其次,做到明白每个节奏型的构造,它分别由哪些不同时值的拍子组成,就像 1 为什么可以被拆解成0.5+0.5,也可以被拆解为0.4+0.6一样。如果解决好这个问题,离成功就不远了! 虽然理解节奏的原理非常重要,但熟练的过程也不应该被忽略,对学习节奏有困难的学生来说,甚至可以刻意练习。 第二步:练习 如果在作品中直接消化学习内容,当然是最好的。其中的重难点都是编曲者经过精心编配,能够做到针对性练习。但前面说过乐谱是多种元素的合集,学生在读谱时因为消化不够常常读错,从而习惯性犯错。刻意练习,是解决这个问题的好办法。 记得小时候学习视唱练耳时曾经用过一个笨办法,却让我之后很多年仍然受益匪浅。我的视唱成绩从来没有滑出过前三名,可以说这个笨办法为我打下了好基础。 这个办法就是自己编节奏、读节奏、并背下来。 是不是很容易? 我当时的做法是,每天选择几个特定节奏,然后编成2/4拍,四小节长度的节奏。每天的任务是编十条,并唱熟背下来。由于当时因为要考附小,时间紧迫,量比较大。如果在日常学习中,每天编一两条就可以。 这样的好处是,节奏可以以任意形式组合,产生的结果是千变万化的。如果能正确熟读这些节奏,乐谱中碰到任意组合方式都不怕了。其次,背节奏的目的是,让这些节奏型的形态印刻在脑海中。因为你在背的过程中,大脑必需记住这些节奏的样子,否则肯定是背不下来的。 这个办法笨,却非常管用。而且在练琴休息之余,不乏为调节心情的小手段。 我相信经过一段时间的练习,这些节奏的形态和唱法会非常清晰的印刻在脑海中,当再阅读谱面时,眼睛一扫不仅能读书音符,还能很轻易的读出这个节奏型的正确弹法。

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请不要以“错误”的姿态指导孩子

如果父母是一份职业 伴随着家庭中新成员的加入,年轻的爸爸妈妈们被冠上了父母的称号。这份从天而降的职业,除去喜悦还夹杂着诸多焦虑,他们需要承担起孩子成长期间几乎所有责任。许多父母开始意识到,作为父母应当和孩子共同成长。但随着时间的推移,这份初心随着日常琐碎逐渐被遗忘抛至脑后,过来人的姿态成为养育孩子的日常。 如果父母是一份职业,用一定的行业准则来判定是否称职,相信很多父母会因此被炒鱿鱼。 在初学乐器时,我们认为家长在孩子坚持学习、取得成果中起着非常重要的作用,更是认为,孩子学不学的好都看家长。由此倡导学习时家长能够积极的参与进来,尤其在课后练习中,家长的陪练工作不可或缺。 身份 我们总是好奇孩子为什么不爱练琴?常常以奖励等外力诱导孩子多练一会儿。但效果终究不尽人如意。或许问题出现在这里,练琴没有让ta找到归属感,没有让他找到幸福感,一门俗称为兴趣的课外学习,跟学校的作业一样,压的他喘不过气来。 真正想明白、并热爱音乐的孩子其实非常非常少。多数孩子都因不同的缘由开始自己的乐器学习之路。而其中尝鲜期很短,如何走过之后的漫漫长路,将很大程度上决定他是否喜欢弹琴。 陪练时,家长通常接替老师的职责,充当家庭学习的指导者。一旦看到孩子弹错了、手型不标准了,便会严厉的指责孩子,要求其改正过来。这样的虎妈虎爸,貌似一定程度上起到了管教作用,而实际上,孩子的内心并不接受父母的如此管教。 设想,如果你是坐在钢琴前演奏的小孩,一旁有个人使劲盯着你的手:不可以有任何差错出现,一旦出错,就立马打断。你是紧张还是享受?是害怕还是喜欢?任何一位演奏者都希望自己的演奏能够被欣赏,包括一个初学的孩子。这种欣赏,不是虚伪盲目的鼓掌。而是真心的欣赏和鼓励孩子。别看孩子年龄小,他知道懂音乐的人和不懂音乐的人,评价的分量不一样。同样,当家长摆出一副我在指导你的姿态,孩子的心理压迫感很重,会极大的打消他弹琴的兴趣。 作为家长我们可以怎么做? 1、如果你是一位什么都不懂、放心的让孩子自己学习的家长。在你欣赏完他的演奏时,可以向他请教,为什么这里这样弹?问题可大可小。 当你作为一位门外汉在向他请教时,会让孩子很有成就感。同时,你的详细询问,会让孩子感受到你很在乎他。再来,我们作为听众,还可以反馈在他的演奏中产生了怎样的遐想,反之,他也可以分享给父母自己是如何理解作品的。一来二去的互动中,孩子不仅会增加思考的环节,还能通过家长的反馈来检验自己的演奏是否得当。这种与家长平等交流的机会,给孩子带来的感受是无法与一个居高临下的指导者相比的。 2、而如果你是一位全程参与到孩子学习过程中的家长,你应该清楚的知道孩子的学习习惯和演奏之难。这时候,你更不应该着急。如果是学习习惯的问题,绝不仅仅只出现在这一门课程上,那到底是哪里出问题?家长要从根源上解决。 如果仅仅是学琴时遇到难题了,家长不妨换位思考一下,如果你是演奏者,又能否避开孩子遇到的种种问题?如果不能,你解决问题的时间需要多少?而你希望遇到问题时老师不停的指责你为什么弹不好吗?读到这里,或许你已经想到更多更好的解决办法了。 陪练非常考验家长的耐心,但真的急不来。如果,你能把孩子当作一个平等的人对待,如同工作时的伙伴,你的心态一定会更加平和。你不会因为一些小事,随意指责身边的同龄人,那为什么要如此对待兴趣尚未建立、认知能力不足的孩子?你要做的是真正了解ta的难处。鼓励他、欣赏他,帮助ta解决问题。不管是谁,都更喜欢听到悦耳的声音。 练琴本就是一件很枯燥的事情,如果家长不能够正确引导、正确陪伴,让孩子一想到练琴就充满了恐怖的情绪,那又如何叫孩子自觉练琴、爱上练琴呢?

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筝童的开学季

新学期已经开学一段时间,不少幼升小的家庭最近一定过的兵荒马乱。进入小学一年级,不仅是孩子人生中的一个里程碑,而且会给家庭里的其他成员的生活带来巨大变化。似乎所有的事情都在这段时间里蜂拥而至,新生家长的压力可想而知。 仅仅是学校的各类作业、测评已经让家长们鸡飞狗跳,但解决好校园生活就完了吗?并不能如此轻易的放过大家啊,各类兴趣班、补习班紧跟其后,都在开学季追上了家长和孩子们。齐头并进?难啊,只怕把一家人压得喘不过气来。 我今天不是来给大家施压的,告诉你们放学后应该督促孩子练几个小时的琴,课业重要学琴也不能落下之类的建议。而是要协调好自己和孩子的生活,毕竟,这样的日子你还得过好多年。 许多家长的压力来源于,想做的事情特别多,但真正能做到的却不多。所有的痛苦都源于需求和能力的不匹配。所以,我们要想清楚,有些事情没必要太当回事,有些事情你必须要当回事。 没必要太当回事: 1、别太把成绩当回事 如果你的孩子刚开始学琴,并且是在幼升小的阶段,请不要太过于纠结这节课被老师指出了很多问题,还是下节课被老师表扬了。通常,刚刚开始学琴的阶段,家长和孩子们都卯足了劲儿去完成各类作业。学校的作业也是如此,费劲心力抄10个生字,可能要花去两个小时,力求完美。 这是不是和我一开始提倡的手型、基本功很重要相违背了?并不是,基本功不是一朝一夕练成的,孩子弹这周练的不够好,肯定是有原因的,这周如果被老师表扬,也不用特别得意。不好肯定跟熟练程度有关,但也存在其他原因,比如孩子天生对音乐敏感,或者有些孩子的手部骨骼发育更容易掌握某种手型,都会影响学习进度的快慢。让我们把时间线拉的再长一些吧。 2、别太把自己当回事 孩子刚开始学琴,少不了家长陪练。初学时,许多家长还能看懂一些简谱,甚至有的家长还能数清楚小蝌蚪。这时候,家长们就很容易在孩子身上找到优越感。不信你看,往往那些容易暴怒的家长,都是孩子正处于初学阶段。等再往深了学,家长的储备就不够用了,想骂也骂不了。 这时候,作为家长的我们不如放平心态,不必过于严厉的批评。倒不如现在平等一点,谦虚一点,多一些鼓励。 必须要当回事: 1、必须把学习习惯当回事 如果你是一个爱聊天、爱吸取经验的家长,肯定会从不同家长那里打听到他们孩子的学习近况和育儿经验。尤其是那些过来人的身上,学习好的孩子肯定都有一个共同点,学习习惯好,学习效率高。成绩一般的孩子,家长大多也会痛心疾首的说,自己孩子因为学习习惯不太好,导致成绩总上不去。 如果家长的目标是要培养孩子以后独立成长:独立生活、独立学习、独立练琴,那培养孩子的学习习惯是目前比成绩更重要的一件事。比如,你给孩子在初学的一年中定下的目标是:能够自觉的想到去练琴,并且半小时不许离开座位。实施过程中,你会发现这远比孩子考试得100分难多了。但如果找到好的解决方式,对于孩子来说起码在未来的十几年中都是极受益的。 2、把家庭团队合作当回事 我曾经写过一篇文章《如何不在陪练时咆哮》,里面有聊到一些让家长解脱的方法,有一条就是解放自己。陪练的活儿不能都是妈妈一个人干,爸爸和家庭中的其他人也可以参与进来。 有人可能觉得听起来有些荒谬。爸爸能陪好吗?爷爷奶奶?甚至是阿姨?他们完全不懂,怎么陪?古筝的作业也是有区别的,比如今天的任务是练够10遍,家中其他人陪也无妨。如果今天学习的是新课,需要掌握较难的知识点,那陪练的最好是了解这门课程的家长。 想想,学琴是一个很漫长的过程,3、5年的时间里,陪练起码也要2年,别把自己和孩子所有的耐心都耗尽。 如果你的目标是从精神上支持孩子,从行动上监督孩子完成,那给孩子搭把手,鼓个励就可以了。 在未来,他们的路还要自己走,我们所做的努力都是为了有一天可以不必陪伴。 人生任何一个时期都很关键,反过来说,人生没有哪个时期是特别重要的。只有不断的努力和改善,以更加良好的心态展开这场马拉松。

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2018-09

练琴时需要联系上下文

阅读给我带来的启发 有一天,我在家看书,读到某个段落,大意是:当说到情这个大概念时,书本采用感情的概念.......即情感和情绪的总称......泛指情绪、情感的一般现象。看到这句话,我的感受是对情字解构得真好,它就像一句旋律的结尾落回主音一样,解决了我对这个再平常不过的词的好奇。过了一会儿,我重读了一遍这句话,刚刚的那种感觉却突然没了。再读一遍,觉得平平无奇。我想,你们读到这句话时,肯定跟我后来的心情一样,它哪里精彩了? 于是,我回想了一下,是什么原因让我第一次读到它时印象深刻。我开始往前后段落找,发现产生这种感觉的原因,来自上下文的关联。 第一次读这篇文章是从头开始、连贯通顺的阅读。作者在文章前半部分着重解释了情绪和情感两个词的定义。在阅读过程中,我发现这些词原先在我脑海里没有本质区别,也没有清晰的界定,通过作者的解释,我更加好奇感情这个常用的词会被如何定义。当我真在后文读到作者的定义时,内心期待得到解决,再加上前文的铺垫,这段话让这三个词(情感、情绪、感情)呈现出清晰的逻辑感,由此让我产生了豁然解惑的舒畅感。 这让我想到练琴时如出一辙的小细节,它看起来无关紧要,但有可能会大大地提高练琴质量。 1.拆分练习、着重练习 我们在练琴时一定会出现许多难点和问题,需要拆分练习、着重练习。小到一个音,大到一整段。这个过程很重要,我想会练琴的人都是这么做的。对于初学者来说,更多问题来自节奏、音准、指法等等的准确性,对于高阶的学生来说技巧问题和音乐问题则会更突出。不过,在拆分练习和全曲串联之间,还有一个步骤也相当重要,就是联系上下文或者衔接过渡的练习。 节奏、音准、指法等问题,它们通常在乐句中以单个形式出现问题,而不会整句都错。通常,我们会将这个音挑出来单练,比如4、7的音准,切分或者附点节拍不对,大多数情况下问题都可以解决。但往往等到第二周回课,学生并没有将问题解决。这时候我们就要注意,很有可能是因为缺少了中间这个步骤,也就是将整句或者前后小节的内容连接起来练习。 比如音准问题,单练的时候学生都可以分辨出音按的准不准,但完整演奏时可能又会按不准,导致这些问题的原因可能是:左手准备不充分、手型不标准、急于赶后面的音匆忙松手等等,这时候,将前后几小节串联起来练习就非常重要。 只是,每个音从来不是孤立存在,它只有在乐曲中才有意义。前后贯穿的练习相当于为这个音营造出全曲演奏的意向,同时也避免一直进行全曲演奏浪费时间,以及无法针对性练习的问题。 节奏问题也是一样,单个节奏拎出来可以正确演奏,但进入乐曲中就不对了。有可能是前后速度不统一,或者已经习惯错误的弹法,这时候只练习一个节奏的意义就不大了,要加进前后部分再做调整。 2.联系上下文练琴 对于高阶的学生来说,音乐问题会更加突出。比如一段音乐的第一句弹不好,或者整段弹不好,通常学生在练习时只会重复弹奏这一句/一段。而我在练琴时,会选择从前一段的末尾音或者前一句开始衔接。因为后一段的开头不好,很有可能是衔接过程中存在问题。还有一个原因,音乐的情绪变化可以是突然的,但不可以出现断层的现象。 实际上,解决音乐问题和音准问题方法核心是一致的,乐段乐句不是孤立存在于作品中。有时候,你单练一句旋律,觉得很好听、情感很丰富。但前后串联时,就会发现音乐存在不合理。这可能是中间逻辑出了问题。一首作品大到全曲,小到乐句,每个音都有它存在的意义,所处的位置都经过合理安排。有的乐句就像是提出疑问,而有的句子就是解答之前的疑问;有的句子是为你铺垫更多的心里期待,而有的句子就是让你的期待得到化解。这是你单一练习时,很难体会到的感受。在演奏时,你不仅是演奏者还是听众,细致练习、整体练习都很重要,但更重要的是学会从不同角度、以不同方式解决问题。 所以,下次上课,你不要再跟老师说:我单独练的时候能弹好,但一连起来就出问题。事实上不存在单独练的好,连起来练不好的问题。如果有问题,那就是练的不够,没有找到更加有效的练习方式。 这是我练琴中的一点小心得,不如回家试试看,希望能帮助你们更好的练琴。

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2018-10

我们为什么要弹这么多作品

通识教育近年来被广泛讨论,它作为一种教育理念,既是面向所有人的教育理念,更是一所大学的办学理念。目前,在国内仅有几所顶尖的大学内开设了这样的教学模式,如北京大学元培学院、浙江大学大人文基地实验班等。他们的理念是:试图把全人类的文明经典介绍給学生,在通识教育中增加学生知识的广度与深度,拓展学生视野,使学生兼备人文素养与科学素养,把学生培养成全面发展的人。 在我就读的音乐学院中,通识教育不曾有过,未来几十年估计也很难会出现。因为它的目标是培养专业的音乐从业者,它的教学结构无法实行通识教育。虽然在教学模式上与通识教育无缘,但通向音乐道路深处的过程中,有一点理念和通识教育很接近,即通过经典达至教化。有人指出:真正意义上的通识教育,应该是让学生切实的接触前人的经典论著,从中不仅学习知识和见解,而且培养人格和情操。这些前人累积的精髓,需要在学习过程中一点点的吸收和消化,才能逐步领悟,它不是通过某种简单的总结即可全部吸纳。 在我们学琴的过程中,对一首首作品的学习和领悟,其实和通识教育中大量的文明经典熏陶是相似的。如我们在学习传统的潮州筝曲时,尽管上百首作品可以提炼出某种统一的特质和风格,但在学习时必须要一首首的去练习和体会来演绎这一流派,不能被一概而论。由于潮州筝曲拥有不同的调式,因此他们按音的音高各有差异。再来,即便是同一调式的作品,每首曲目都有自己的个性,没有办法在学习中只讨论共性,撇去成就每一首作品的个性。 一个只弹过两首潮州筝曲的学生,和弹过二十首的老师相比,两者对潮筝的理解和把控能力肯定是不同的,这不仅仅是量的积累,而是通过经验的积累产生了质的变化。而当地传统艺人的演奏与以上相比,又会更加地道,因为他沉浸在诞生这种音乐的文化中,经历了由外而内的漫长历练。 现在的筝童接触更多的是现代筝曲,很少有机会长时间学习某一流派,但一些格外用心的老师也是采用类似的方法来帮助学生取得进步。许多家长不理解老师为什么要把一个级别的战线拉的那么长,而不采用应试教育的方式,节约时间挑选两首考试曲目学习即可。我们可以拿快速指序这一技法举例,它可以通过三种方式来练习提升。1、采用固定的指法,以模进(音阶顺序)的方式出现;也可以为它专门编写一首练习曲;还可以出现在乐曲的某一段中。 我们采取以上任何一种方法练习都是可以的,但如果只挑选其中某一种模式练习,或者蜻蜓点水式的掠过三种模式,在量上显然是不够的。因为快速指序可以被搭配成任意指法,你永远也练不尽。但是,我们可以通过对不同曲目的大量练习,尽可能去遇见不同的组合方式,破除单一的弹奏习惯,使每个手指机能得到有效的提升。慢慢的,你就能总结出更加有利于你演奏的指序,待手指机能得到良好开发时,即便碰到难度大、未见过的搭配方式,也能很快得到解决。这些成果包含了你对前人成果的总结,也有你自己长期以来新的体会。这些繁琐的、零碎的练习,远比大而化之的总结收获的更多。 我们的学琴之路,不外乎就是跟随老师学习一首首经典作品,这种看起来很原始的学习模式,它有其存在的道理。

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2018-10

机会不再留给有准备的人

机会还会等你准备好才降临吗? 机会是留给有准备的人、万事俱备,只欠东风,许多人视这些名言警句为箴言,用来激励自己。一个手无寸铁的人,纵然再多机会飘过也是力不从心,手上的筹码越多,胜算自然越大,我也经常这样鞭策自己。但最近有了一些新的感受,过度的信奉某一箴言,以为可以适用于所有情况,可能会进入某种误区。比如,真的有万事俱备这种时刻吗?机会有没有可能可以是准备的过程? 过去,我们认为要做好一件事,只有做足万全的准备,才能降低失败风险。但事实上,万事俱备的时刻非常少。更可能,待你想要万事俱全再去把握某些机会时,机会已经错身而过。在日常生活中,许多人手中已经拽住的机会,也并非万事俱备时才遇上的。 在这个时代,处处都隐藏着机遇。对于同一行业的人来说,没有了信息壁垒,每个人之间的机会差别也没那么大。你身处行业中,自然具备一定专业技能,不需要所有准备工作从头再来。如何把握和看待身边的机遇显得更重要。 不管是校园还是职场,我们越来越能体会到,机会能促进成长。许多文章都说,要找到自己的内在驱动力,而精英们好像也都是跟随内心的激情去发展事业。但人终究是有惰性的,如果没有外部压力,很难长时间的去坚持一件事情,我们不能忽略外部环境对我们的激励作用:人可以在机会的压迫之下成长。 拿我自己举例 红叔在找我写这个专栏之前,我曾经写过三年的古筝作品赏析节目,除此之外,对于文字工作并没有太多经验。红叔希望我能写一些东西,给初入门的琴童家长一些帮助和引导,让他们更快、更专业的了解这个行业,少走一些弯路。虽然我对这个事情感兴趣,但并不认为自己有能力给别人太多帮助。红叔一直鼓励我,觉得没问题。抱着积累和学习的心态,接下了这份专栏。 《家长宝典》整理的都是我学琴、教琴以来的切身体会和个人经验,但这个过程并不轻松,常常因为挑选素材和整理语句,让我卡上老半天。如果仅仅靠内在驱动,等这阵新鲜劲儿过去了,我一定就搁笔不写了。为什么?何必自讨苦吃!抓耳挠腮也不一定能写好。现在栏目上线,我硬着头皮也得持续写下去。在外力的压迫下,我搜肠刮肚,写完了记忆中最浅层的内容,就必须看书或让触角变得更敏感,与周遭的生活碰撞出新的感受。在这个过程中,机会和压力换来的就是成长。 没有这个机会,我压根不会整理自己过去二十多年的学琴历程。没有这个机会,我可能会怠于主动寻找新的体会。没有这个机会,我的文字能力也不会更进一步。 你看出来了,我并不是写的一手好文章,里面可能有陈旧的想法,有逻辑上的漏洞。我也不是弹的一手好琴,可能对音乐的理解不够深厚,会出现不恰当的解释。但我不需要闷头在家写到文采斐然,再把想法分享给大家,也不需要成为最出色的演奏家才有资格分享经验。我只要开始写,我就跨出了一大步,而我在帮助你的同时,更多的帮助了自己。 人为什么可以在不断把握新的机会下成长? 有外力、有反馈,也就有动力进步。 上面已经说到了外力的作用。在外力的压迫下,你付出努力,自然也会得到外界的反馈。外界反馈对自信心的建立或摧毁有很大影响。如果你的付出开始逐渐得到他人的肯定,周而复始,就会变成一种良性循环,进而发现此中之乐。很快,外力也由此会转换为内在的驱动力。 在教学中遇见过两类孩子。一种是积极参加演出、比赛,不错过每一次展示自己的机会。还有一种是,几乎不参加任何活动,包括考级、比赛。这两类孩子中,都有成绩好和成绩不好的。并不是多参加比赛的就一定弹的好,不参加比赛的就弹的不好。可是我为什么鼓励孩子多出去展示自己呢? 如果你的孩子参加过比赛或者考级,往往会发现比赛过后孩子的琴技突飞猛进。是比赛那个瞬间让孩子成长了吗?不是。首先,备赛期间大强度的练习激发了孩子的潜能,他对自己有更多期许,希望能将更好的自己展示给大家,因此也会加倍付出努力。其次,赛场就是一个小社会,什么样的参赛选手都有,孩子能够大开眼界,还能吸取教训、借鉴他人优点。如果运气再好一点,取得不错的成绩,那么这个强反馈就成为ta继续努力的动力。由此,一个良性循环就被建立起来。 当然,也不能仅凭借外力推动孩子学习,不妨把它当作一个强助力,与内在驱动互相配合,相得益彰。写作此文的目的,并非告知您必须如此,而是一起尝试换个角度,可以不必万事俱备,可以不过分关注内在驱动(兴趣)。

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2018-10

你的孩子在电视声中练琴吗?

是什么导致孩子不好好练琴、写作业呢? 你说,你的孩子都不爱练琴,孩子练琴时都不专心,每节课的问题总是反反复复。问题的症结在哪里?你说不知道,只知道这让你很苦恼。在你小时候,即便作业很多,父母教育方式未必科学,你起码可以做到按时完成作业,不用家长追着打骂。可到了你的孩子上学时,明明教育理念更新了,时代进步了,怎么写作业、练琴却更加难了呢? 你怕孩子输在起跑线,给他报了各种各样的课外班。你怕拂了孩子的兴致,想做他最好的后备军,他想要什么就买什么。你怕照顾不周,家里请了阿姨,还叫上爷爷奶奶外公外婆轮流来照顾孩子。孩子什么都不缺了。他怎么还不好好练琴、写作业呢? 这些与孩子练不练琴有关系吗?不一定。 当他面对选择时,该如何与这些事物共处,成为困扰他却不自知的难题。他只知道ipad上的动画片和游戏更吸引他,练琴有些枯燥。他知道爷爷奶奶、弟弟妹妹不用写作业,可以看电视玩玩具,他却得练琴。他今天得上英语,明天要去跳舞,后天要学下棋,终于在大后天该轮到练琴了。咦?老师讲了什么?我怎么不记得了? 它们之间有什么关系吗?好像有,到底是哪里出问题了呢? 有个叫做学习氛围的东西,好像被藏起来了。 氛围 不知道你和我有没有同感。希望专注做一件事时,总要找到一个适宜的环境和氛围才能静下心来。我常常写东西的地方有两个:一个是家里,一个是特定书店的咖啡厅。家里不用说了,白天没人很安静,只要不想出门,我就在家里办公。家里虽静,却欠点儿氛围,这时候我会去咖啡厅干活。我尝试过在很多家咖啡厅工作,常规的有星巴克一类的连锁品牌,还有街边的文艺咖啡厅,但这些咖啡厅都属于社交型的,环境嘈杂,人员属性也比较复杂,并不太适合工作。每次满怀信心地去,却一天啥也没干成就回家了。 后来,我发现一家离家有点儿距离的书店,它的咖啡厅和其他地方的很不一样。但凡要聊事情、要社交的基本不会选择来这里,因为它太安静了,传进耳朵的只有键盘声和翻书声。即便坐满了人,也很安静,你下意识的放轻自己的脚步。 来这里我总能踏实的工作一会,我想除了安静以外,这里每个人的状态都是令人凝神的,有点儿像大学时代的图书馆。 同理,孩子的学习时间远比我们长,更需要创造这样的氛围。我经常收到学生的练琴打卡视频:一架古筝摆在客厅,旁边弟弟或妹妹正在一旁看电视,厨房里其他大人在大声说话。或者,一个黑乎乎的小屋,孩子背着光,费劲的扒拉着琴弦。试问,这样的氛围换成我们大人,也难以沉下心来工作吧 这里的氛围包括两层:一层是环境氛围,一层是人文氛围。 环境氛围就是,学习时的空间布局营造出来的感受。 大多数家庭很难给孩子再单独开辟一个专门的学习空间,那么在他既有的学习空间中,尽可能的打造相对适宜学习的氛围。比如,练琴时的光线尽可能的足一点,不要让孩子背对着光线练琴。光如果打在背上,琴和谱子上的光源就被身体挡住了,连谱子和琴弦都看不清楚的场景,孩子又怎能提起练琴的积极性。 如果你家孩子在客厅练琴,那么请一切家庭其他成员暂时退出这个区域。有的家庭是跟爷爷奶奶住在一起,孩子在练琴时,作为公共区域的客厅经常会有人进进出出,这无形中就干扰了孩子的专注力。所以,要么让孩子回房间练琴,要么暂时清空这个空间。考验孩子的专注力现在还不是时候,更急迫的是先培养他的专注力。 人文氛围是指周围的人员言行举止的传播影响。 为什么有的孩子不用父母管教,也能好好练琴和写作业?我想大多数这样的家庭,都有一个良好的家庭氛围。我在上文写过,二孩的家庭越来越多,哥哥姐姐在学习,弟弟妹妹在一边玩游戏的例子屡见不鲜。这难道不可以调和?我看到一些家庭虽有两个孩子,却依旧能营造出良好的共处时光。并非孩子多就一定会闹。有些家庭即便只有三口人,但爸爸在看电视打游戏,妈妈在玩手机,孩子又如何能不惦记他的ipad和动画片?如果父母能够以身作则,安静的、专注的做自己的事情,我想在这样的磁场中,孩子也是能够安下心来学习。 在实际生活中,这两层氛围通常是叠加在一起的,不同的组合方式,会让相互之间产生的化学反应大相径庭。营造环境氛围相对来说容易许多,但营造人文氛围对家庭里其他成员也发出了不小的挑战。这个氛围是孩子高效学习的保障,是全家人形成凝聚力的基础。没有好的氛围,就难以达到高效的学习。

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2018-11

比赛时,我们可以左右什么?

我曾经写文章聊过:我们为什么要参加考级和比赛。作为一件促使我们进步的工具,它存在的价值是不容忽略的。然而,有比赛就会有输赢,我们不可能完全不在乎结果,成绩既是鞭策自己进步的动力之一,也是阶段性的成果检验,所以我们很珍视每一次锻炼的机会。 比赛中,你无法左右的事情: 但输赢和奖项,并不完全由你掌控。毕竟,艺术不是竞技体育,不是努力做到更高、更快、更远就可以拔得头筹。其中有许多是你不能掌控的事情,比如:抽签的顺序,多数情况下我们都认为抽签抽的太靠前,不利于得高分,首先是选手容易紧张,进入状态慢;其次是评委老师不敢在一开始就打出较高的分数,因为不知道后面选手的整体水平如何,通常都会手下留情。 你无法左右的事情还有评委老师的喜好。每位评委老师的审美都是不一样的,有的在意技术,有的在意音乐,而有的老师喜欢传统的作品,有的则更喜欢现代作品。还有的老师认为你是有潜力的选手,因而为你打出高分。所以你完全无法捕捉他的侧重点是哪个方面,这也是重要的比赛为什么需要多位评委打分。 再来,就是其他选手的能力。你无法知道一起参赛的选手准备的到底如何,他的成绩很有肯能决定了你的名次。或许你们曾经在赛场上较量过,但是经过一年的努力,他是突飞猛进还是如何,只有赛场上才能相见。 看到我举的这些例子,你是不是已经吓坏了,这还怎么比赛?要是心理素质不过关,岂不是连参赛的资格都没有? 尽管比赛中有许多我们无法左右的事情,但我们要努力把那些能够掌控的事情做到极致。这也是珍惜比赛机会,锻炼自己的最好回应。 我们能左右什么事情? 首先就是提高自己的能力,这是最重要的事情。比赛是客观公平的,大多数情况,坐在下面的评委并不认识台上的选手,他们只会依照自己的第一印象来打分。当你真的足够优秀时,评委绝对不会为你打出低分,我相信所有的老师都是惜才的,发现更多优秀的苗子来传承这门艺术是他们的责任。而足够优秀的你,也无法被遮挡住闪耀的光芒。但如果当你演奏的很糟糕,评委自然也无法打出荒谬的高分。所以,我们能做的就是尽可能的在相当长的时间内,提高自己的能力。 青年演奏家宋心馨曾经在访谈中谈到她在附中时的练琴状态,她不仅每天练琴时间长达7、8个小时,并且每次练琴内容都做了细致的规划,如每半小时练什么内容早已确定好。超过时间,这个指法没练好也不能再练了,后面还有其他规划等着她来完成。我想,正是因为她对自己要求如此严格,对技艺不懈追求,才有机会在后来的金钟奖、文华奖中取得优异的成绩,因为她的优秀让所有人有目共睹。 提高自己,对自己的付出不报遗憾,是我们最最能左右的事情。 再来,就是要调节好紧张的情绪。同时面对众多专业的考官和评委,参赛选手有点儿紧张非常正常。加之,参加比赛多少有一些功利心,希望自己能够取得好成绩,这份重视,会让你的紧张也随之增加。过度紧张必然会影响演奏,也就无法展示更加真实的你。 其实,我们不妨换个角度想想,比赛拿奖固然开心,但是能够把自己最好的才能展示给大家欣赏,何尝不是一种幸运呢!尤其是面对这些专业的、有造诣的演奏家和艺术家,日常学习中,哪来这样珍贵的机会?心态的一点点调整,能让人更加积极和从容的面对比赛。何况,足够充分的前期准备,不会让你在赛场上过分失手。 还可以调节的是选手的抗压能力。什么样的人没有压力?不抱希望就没有压力,再就是初生牛犊不怕虎,因为什么都没见过,自然就没有压力。但凡你寄予自己一些希望,压力便随之水涨船高。 青年演奏家刘乐在他金钟奖夺冠后接受采访,主持人问他在决赛中是否压力很大。他说,压力肯定是有的,但也没有特别大,因为这是他第三次参加金钟奖,有了前两次的铺垫,他对赛制更加的熟悉,因此,压力也就相对变小。刘乐作为这届比赛的热门夺冠选手,尽管他非常优秀,但是如果没有之前比赛的积淀,他的演奏状态、心情调节以及对赛制的了解程度,都难以达到最佳状态。所以,不是每一次比赛都要夺冠才有意义,有意义的是每一次比赛都是自己未来的垫脚石,它能让你变得越来越成熟。对抗压力无法凭空想象,只有一次次的积累,在无数次实践中让自己成长起来。 比赛充满许多未知,拿奖也不是我们习琴之路的终点,当我们借用这个工具时,就物尽其用吧。

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2018-11

音乐的文法——乐句

先给大家讲个笑话。一父携三子,过年时父亲说:今年过年都说一句吉祥话,我先说,明年好时光 。老大:老少都健康;老二:养猪养成象;老三:老鼠全死光。父亲把几人的吉祥话写在纸上裱于中堂。初一亲友来拜年,读这幅字:明年好时光 ,老少都健康 ,养猪养成象老鼠,全死光。一家黯然。一个断句不同,意思南辕北辙。 语言有文法,音乐也有规则,了解文法与规则,才能判断作品所要表达的意思。一些作曲家的作品听起来似乎很自由、天马行空,但其中或明或暗都藏着文法,需要演奏者去一一剖析。 在音乐的文法中,分句是最基础的一步,错误的句法就像上文那样,不仅在句子中间停下,甚至完全误解作者的意图。只有在句法正确的基础之上,才有可能进一步探索音乐的正确意义。 不管是简单的还是复杂的作品,不管是初学者还是专业的从业者,都理应学会找到句子。听起来好像不太难,但并不是每一位专业演奏者都能顺利找到句法。我经常遇到这样的情况,同一首作品由甲演奏时,我听的一头雾水,而由乙演奏时,却清晰明了,这就和是否读通句法有着密切的联系。 一般来说,在常规的4小节乐句或8小节乐句中,第4小节或者第8小节的结尾通常表示乐句的结束,在演奏时,我们应当稍作停顿或降低音量表示结束感。而在这一长句中,还可以做出次要的分句,就像一句话中的逗号一样,这些气口都非常重要,如果没有明确的表达出这些断句,音乐就成为难以理解的混乱场景,甚至还会出错。 我以一首很简单的小乐曲《纺织忙》为例。 在乐曲再现段之前,有一小段14小节的双手小撮乐段。 (《纺织忙》谱例) 不长,也不复杂的乐段却经常有人弹错。因为乐句中反复多次出现5这个主音,5不仅出现在句头还出现在句尾,以及与下一句句头连接的位置。小朋友在演奏时常常因为数不清个数而出错。为避免出现这样的情况,我们可以在句子内部做一个小分句,每两小节为一组,每组的第一个音稍稍加重,让学生在练习时找到断句,以及每小节四拍的律动,这样不仅不容易错,还更好听。 这样的例子非常多,在《战台风》、《瑶族舞曲》、《幻想曲》等作品中,都可以寻到类似的痕迹。 以上只是最基本的分句,还要加上和声、节奏、结构等,才是基本的音乐文法。 这也是为什么音乐欣赏虽具有主观性,但一切评价都基于客观的基本素养之上,与个人喜好无关。 记得多年前看过摄影师马良发的一条微博,大意是上海一地铁站请人在墙壁上画了一副抽象人物画,他批判这幅画不具备最基本的美术素养,人物比例明显不对,完全是在误导不懂画的人。同样的话换做音乐,相当于你听到了一首貌似很抽象的作品,但实际是演奏者断错了句、没按准音高,故弄玄虚罢了。

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2018-11

让孩子自己做决定不等于放手不管

这学期已过半,不少筝童的古筝学习也进入了新阶段。尤其是三级过后进入四级,六级过后进入七级,是与之前全然不同的阶段。相比二级到三级的进阶,三级到四级要跨过的坎要大出许多,这和教材的选编有一定关系,四级作品中加入大量双手练习(比如《浏阳河》),乐曲长度也变长不少,孩子们一下子难以适应。 学习难度变大,练习时间变长,加之繁重的课业压力,孩子容易产生畏难情绪。不情愿练琴、回课不好,孩子哭闹、家长疲惫,弃学在这个阶段发生的概率特别高。 这种情况在两类家庭发生的尤其多,一类是放养式的父母,一类是控制型的父母。 控制型父母认为,自己应该全权替孩子做决定。在教学中特别常见的例子,孩子时间安排不妥,学习紧张,家长便自己做主将孩子的课外学习停掉。或者,强迫孩子必须学习某一门课,不注意引导方式,使孩子形成逆反心理,最终放弃学琴。这样的家长,希望自己能掌控孩子的全部,他们认为孩子的人生就是他们的人生,必须要将孩子的一切管到底,才能实现他们的人生价值。 另一类是放养式父母。现在越来越多家庭趋向放养式育儿,认为做任何决定都应该尊重孩子,完全放手。所以,我们经常遇见在选择课外班时,孩子喜欢什么,家长就报什么。不想学或产生厌烦情绪时,就轻易遂其愿放弃。看上去是父母放手让孩子自己做决定,但他们没有想过,是否培养了孩子做决定的能力。 尊重孩子是我们所推崇的亲子关系,但是,敢让孩子自己做主得满足一定的前提条件,而非在孩子闯祸后,帮孩子擦屁股,或者再来弥补。要让孩子真正有获取信息、分析信息、作出合理决策的能力,并有为自己的行为负责任的意识。 帮助孩子理解和学习如何为自己的行为承担后果 控制型的家长,如果不改变想法,很难真正放手,也很难真正让孩子为自己做主。家长不放心孩子,是父母不愿放手的主要原因,这普遍存在于小学和初中阶段。等到高中、大学时,家长就会突然意识到,自己已经跟不上孩子的节奏,只能选择放手,但这种放手是被迫的,并非心甘情愿。对孩子而言,突然的放手,实际上并没有为他们能够独立做决定和承担后果打下基础。 学习如何做决定 在日常生活中,父母可以有意识的和孩子分享自己是如何做决定的。而不是用一句小孩子不懂、小孩子不要插手这样的话来回绝孩子。比如去超市买菜,家长是如何计划和安排的,不妨把这个思考过程一一介绍给孩子,让他们知道大人是如何做决定的,久而久之,将会在他们心里种下一颗种子。 再来,父母还要有意识的训练孩子获取信息、分析信息以及批判性思维的能力,这些将会帮助孩子真正做出正确的决定。 如果您的孩子正面临是否继续学习古筝的抉择,我们可以和他/她分析,是因为不喜欢这件乐器,还是不喜欢练琴,又或者是没时间练琴?没练琴的原因是没兴趣,作业太多,还是有其他的课外班占据了时间?是否有解决的办法?如果放弃不学,他面临的结果是什么,比如,以后不可能再继续学习任何乐器了,因为每一门乐器都需要花费时间练习;也不要羡慕别的孩子能够在舞台展示自己。 作为家长,也应该明白自己让孩子学琴的初衷是什么,想放弃的原因又是什么。是因为觉得自己付出与回报不成正比,还是觉得跟着孩子一起上课太累?甚至是老师的课费涨价了,您觉得不合理,等等。 作为老师,我们希望家长做任何一个决定都是慎重的,而不是一时冲动。 前面这些分析过程,对自己对孩子都是很好的梳理。不光是学习,孩子也会因此终身受益的。对未来的学业、职业选择以及处理生活琐碎都会有很大的帮助。 这些能力不一定在校园学习中习得,需要的是父母付出更大的耐心来培养孩子。 在这个基础上,我们和孩子共同进步,学会放手,真正让孩子自己去飞。

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2018-12

“惩罚”的学问

近几年,鼓励式教育成为潮流,尤其在课外兴趣班的学习上,孩子学的开心,大家都能够轻松些。但矛盾的是,家长们付出了很多时间和金钱,又希望能看见比较显著的成效比如,孩子能有完整的作品,如果能获得一些荣誉或者褒奖就更好了。快乐学习和成效之间的确是对很难调和的矛盾,大多数人认为的快乐学习几乎等同于快乐玩耍,最好不要挑战家长和孩子的耐心,不要过多消磨精力。但快乐学习的本质或许不该被如此简单的定义,而想要成效,与孩子长期处于磨合中甚至斗智斗勇都不可避免。 在陪伴孩子上课和写作业时,常有家长被气到吐血。练琴也是如此,孩子常常身在曹营心在汉,导致练琴效率极低。一个问题一连几周改不过来,最后变成陈年旧疾。这时候该不该上家法?我的意见是,上。但我说的可不是家庭暴力。打骂等体罚措施在任何时候都是不合适甚至不合法的,对改正问题也不会有帮助。 解决问题,我们要先找准问题产生的根源。孩子练琴不专心导致的后果就是错误无法改正,如果能改变她的学习态度即可解决错误,那对症的药就是如何让ta专心起来。我的学生中,这样的例子不少见,比如某一句谱子总是弹错我们要学会辨别这一错误不是偶然现象,你已经再三提醒,那说明她并没有把你的提醒放在心上,依旧按照惯性在练习。那么,我会采取变相体罚的方式提醒ta出错的地方反复练习。听起来是不是挺简单?但其中也有些小窍门。 通常,我会提醒ta,如果再错就要加量惩罚,一般以35遍为一组。在这35遍中,如果错一次,惩罚叠加。有心的学生可能会一次性通过,而就我的经验来看,如果注意力不是十分集中,很容易再次出错。第一次叠加时,学生并不会产生心理变化,因为3+3也才6遍,并不会引起重视。但是6遍中再出错一次,就要叠加至9遍,要在9遍中,一次不错难度就会大大加大。这时候,ta自然而然就会引起重视,因为再错下去,叠加至20遍也是很容易的。 而在这个过程中,我们还达到了另一个目的,就是量的累积。改正一个习惯是需要刻意重复练习的,从量的累积达到质的变化。在专注、多遍的练习中,达到消化吸收,才有可能由外至内的改正问题。 同样的方法,还可以变化为抄写。有些学生分不清音符或节奏,是真的不会吗?并不是。而是在不专注的学习习惯中,放纵自己。我有一个学生,常常看着2唱5,她告诉我分不清这两个音。于是我告诉她,如果再唱错一次,就抄写10遍2,两次就抄20遍,以此类推。在错了三次之后,她意识到已经需要抄30遍,似乎要超出她可以接受的界限。等再遇见2,她开始变的非常小心,偶尔会停下来想一想。结果可想而知,错误没有继续下去。 有人可能会疑惑,既然量的累积那么重要,为什么不直接在第一次惩罚中直接给出更大的数量,比如50遍、100遍。如果惩罚力度过大,超过了孩子能忍受的范围,惩罚就毫无益处。不紧达不到让ta自行提高专注力的目的,相反会引起ta的敌意或者逆反心理。 孩子非常聪明,会自行判断要承担的后果,我们一开始给出惩罚的量并不是很大,罚多罚少取决于ta的重视程度,在达到她可接受的顶点之后,脑袋里的调节机制就打开了。这时候,我们的目的就达到了,能够专注的改错,而不是为了惩罚而惩罚。

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2018-12

我在学琴过程中栽过的跟头(二)——听的太少

我一直强调音乐欣赏的重要性,想要弹好琴,多听是逃不开的一步。长大后,我从中受益很多,才发现上学的时候听的太少太少。 和《我们为什么要弹这么多作品》一样,通过经典达至教化是听乐最直接的目的。在学习演奏时,切实的接触前人的经典之作,从中学习他们的精髓,是我们接近他们最便捷的方式。这种熏陶,让你能宏观的感受到作曲家、演奏者的个人风格,又能细致的体会到每首作品、每位演奏者不能一概而论的细微差别。作为演奏者,经历这个过程是迈向更远道路不可或缺的一步。 在音乐史中,也常有记录某位音乐家听了一次音乐,便改变他艺术生涯和道路的事迹。25岁的柏辽兹,第一次在巴黎听到了贝多芬的第三交响曲和第五交响曲,如梦方醒,这对他后来转向交响乐协作起了决定性的作用。虽然,这种听乐体验不是随时可以遇见,但如果有心,人生中遇见几次刻骨铭心的记忆,必然是有机会的。 多听,首先要提升听的量,其次要关注听的种类。 量,就是听的时长和频率。小时候我没有养成听音乐的习惯,CD机和专辑几乎都躺在抽屉里睡觉。只有遇到问题的时候,才想到打开专辑听听人家是怎么弹的。这样的听并不是无用,它在短时间内可以给你一个很好的参考样本,就像临阵磨枪。但这么做容易出现一个问题,没有经过甄别和对比的借用拼贴,容易和你的演奏前后不搭。他人的音乐处理,和他的阅历、审美息息相关,如果你不经思考的嫁接,音乐容易听起来没有生命力,甚至逻辑不通顺。 同时,听的种类要多,不局限于一种风格或乐器。以学习一首作品为例,听乐时,建议找到不同的演奏版本比较着听。你会发现每个人的演绎各有长短,长处在哪里,短板又因为什么,这就是值得琢磨的地方,自己演奏时也就可以相应地取长补短。如果是为了培养自己的音乐素养,我们欣赏时大可超出自己熟悉的音乐,选择其他门类的作品,比如中国民间音乐、西方古典音乐等等。我也曾经在欣赏其他乐器时,获得过与古筝相通的灵感。 比如,在欣赏德彪西的《星夜》时,我脑海里闪现了常静的《月影湖光》。时光交错,两件原本没有交集的乐器和作曲家,却同时出现在我的脑海里。他们对夜有相似的感受,而在不同文化背景下,他们的音乐语言相异。于我,两首作品带来了更加丰富的画面和想象空间。假如,我只听见其中一首作品,对夜的想象可能会变的很单一。没有对比,也很难关注到类似题材的描写手法。这种机缘可遇不可求,但如果你不听,连这样的机会都被扼杀掉了。 长时间大量曲目的累积,你还会取得一个特别的优势,就是对音乐整体感的把握。学习演奏的人容易进入一个误区:对演奏家精湛的技巧赞不绝口,而对大的方向失去把握,比如风格、结构。作为演奏者,能切身体会到演奏过程中哪些地方是难以攻克的,比如乐句中高难度的技巧,平衡的音色,难以找到的音准等等......因此在欣赏音乐时容易过度关注这些具体的问题。假如你对音乐不敏感,加之听的又很少,很容易便走入这个雷区。 所以,想要拥有一个全面的耳朵,绝非易事!不仅要多听,还得换着耳朵听,把自己置身于不同身份,你将会有不一样的听乐体验。

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2019-01

练琴与演奏的区别

学琴的人多多少少都听过演奏家不同寻常的练琴故事,尤其关于练琴时长,少则一天七、八个小时,多则十几个小时。惊叹之余,肯定也有人好奇:怎么可以坐这么长时间?有这么多曲子要练吗?别说,还真有。他们不仅要花如此多时间练琴,甚至还常常觉得练琴时间不够用。 每年的演出计划中,大家除去常备的经典作品外,还要准备一些新作品。这些新作就消耗演奏家相当大一部分能量,而常演的保留曲目则更不能掉以轻心,想要保持良好的演奏状态就得练琴。 虽然演奏家的演出任务很重,但他们的练琴方式从来不是将每首曲子弹上几十遍、几百遍,也不会按照乐曲的原速整首来回弹奏,更多是将乐曲拆解后练习。 1、要多慢,有多慢 在我了解的演奏家中,就有人保持这样的练琴习惯。把要改进的乐段单拎出来练习,一个音符如果没有达到理想状态,一定会反复练习,直到满意为止。可想而之,这样的练习有多耗费时间,看上去也很枯燥。原本一两分钟可以完成的乐段,用这种方式练习则往往需要几个小时,时间怎么够用呢? 有时候,我们想当然觉得演奏快速段落,一定要长时间让手指在高负荷下运转,才能使技术精进,表现到位。事实恰恰相反,只有在练习时慢下来,高质量完成每个音,不马虎、不糊弄,才能串珠成链,呈现理想的效果,并在未来演奏中游刃有余。 不仅练琴如此,上课也有类似的情形。 没上过大师课的同学或许不知道,有时候一节课下来,仅仅打磨一个引子。磨的过程很烧脑:要用很慢的速度去感受一个音的质量,赋予这个音更多更复杂的意义;但又很奇妙,一些原本在你手下毫无生命力的音符,通过一遍又一遍地打磨和咀嚼,开始变得鲜活起来。 有时候进度慢,并不代表进步慢。 所以,演奏和练琴是两码事。练琴使我们的演奏越来越出色,但并不意味着用演奏的方式练琴,可以有效实现能力提升。 2、找到适合自己的方式 当然,每个人的练琴方式都不一样,我们需要找到最适合自己的方式。有的演奏家适合长时间慢慢打磨,而有的演奏家一天仅花一两个小时练琴,二者之间的成效可能并不会差很多。 练琴,不代表一定要触碰到琴弦才算练。静默的琴声在一些人的练琴方法中是很重要的一部分。在大脑中反复思考、分析、整理和想象作品,在脑海里想深、吃透,效果并不比坐在乐器前差。有时候,长时间麻木的练习,反倒会使音乐失去该有的活力。 这些方法虽然不靠时间取胜,但说到底却也是拆解和慢的过程。没有找到问题根源、找对解决方法的反复练习,最多只能让乐曲变得熟练,却改不了存在的问题,反倒让错误反复被强化,最后根深蒂固。对乐曲的肢解,能够让我们找到解决问题的根本路径,以及最适合自己练习方式,它使我们更加接近事物本质,而非留于表面,从而使我们真正在演奏上获得成长。

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2019-01

音高概念的建立

一、建立音高是基础 音高的建立是音乐学习中最基本的一项技能,只有大脑具备音高的概念,才能将音符组织成各种音乐语言,串联成旋律。在任何一门音乐课程中如钢琴、小提琴、古筝、声乐等等,都和音高发生紧密的联系。但音高的训练是一项极其复杂又漫长的课程,它被单独分离出来,在视唱练耳这门课进行专门的训练,成为音乐学习的必修课。 过去,视唱练耳这类基础性课程在业余学习中并没有引起重视,许多学生不能准确的辨别音的高低、长短,导致他们的音乐素养参差不齐,阻碍了进一步发展。如今的考级加入音乐基础测试,无疑规范了这一短板,建立了统一的标准,为音乐学习打下良好的基础。 二、专业差异对音高建立的影响 而不同专业的学生在音高的识别能力上又有着显著的差异。比如,钢琴是由调律师定调调律,它具有标准音高,钢琴专业的学生在长时间的演奏中更容易形成固定音高的概念。而小提琴等弦乐器,需要通过大脑识别音高,然后再传输至手指按弦来改变音高。由于在训练过程中他们是主动地寻找音高,大脑和耳朵也被训练的很敏感。 古筝属于民族弹拨乐器,五声音律,有极强的调性,因此学生更容易用首调唱名找到旋律,这也是其他民乐专业学生的共同特质。但是由于乐器的特性,古筝的定弦容易移位,需要随时调律,而乐器形制巨大,不便于搬运,初学者又不具备调律的能力,导致乐器的定弦常常不准。加之古筝以直接弹奏为主,辅以按滑,大脑处于被动接受音高的状态,因此,在音高的建立上往往弱于钢琴、小提琴等专业的学生。 相比小提琴、二胡等弦乐器来说,古筝对于音准的需求或许没有那么急迫,但它依旧很重要。随着难度加深,技术精进,音高辨别的需求埋藏在各个链条中。首先是古筝的定弦,我们有辅助工具调音器,但也应当学会用耳朵听辨音准,琴弦随着振动跑调移位,耳朵是第一道关卡。其次,古筝演奏中的特色技法左手的吟揉按颤,是最常见的需要辨别音准的技法。如果没有音高概念,则按不准,这些技法也就无法达标。最后,训练耳朵的敏感度。古筝作品中有许多民间音乐,不同于钢琴的固定音高,民间音乐的独特魅力来自于各种音高的偏离,但偏离多少则很难用仪器或标准衡量,往往通过模仿和口传心授习得,因而对耳朵发出了很大挑战。我们首先要学会听,才能学会弹。 说了这么多,无非就是想告诉大家,音高的建立很重要,并且迫在眉睫。 三、如何解决 听觉的建立其实是一个记忆的过程。大脑将外部获得的信息(音高)长时间保留在意识中,通过整理加工后有序的储存起来,在需要的时候再将信息一一对应输出。大脑必需经过反复的感知才能识记,而识记又分为有意识和无意识。无意识是不带目的,相当于耳濡目染,需要花费更多时间来吸收消化。而有意识是带着目的进行记忆,它比无意识记忆效率高,适合短时间内希望提高听觉能力。 首先,可以在调式内(首调概念)和钢琴同步反复识别和构唱,使七个基本音的相互关系在大脑中留下深刻的印象。就像在人堆中,一眼能辨别出你要找的那个人。比如三度关系,我们通过模进练习巩固音高:1 3(do mi)、2 4(re fa)、3 5(mi so)、4 6(fa la)、5 7(so ti)、6 1(la do)、7 2(ti re)。练琴时,我们也同样保持唱谱的习惯,将音高关系印刻在脑海里,加强对音程关系的记忆。 在第一步的基础上,我们可以通过已知的唱名,如1 3(do mi),在钢琴没有给出任何音响的情况下唱出它的实际音高,这也被称之为构唱,是一个有意识的向大脑输入的过程。它更能激发学习的主动性,加深记忆。通过多次反复来进行巩固,再输出、检验,即可达到音高的准确输入。 这种构唱的方式,在发声之前其实已经在心里想象出音高之间的比例,就像不同高低的音在脑海里找到了相应的位置。发声时,只是将音高和唱名相互对应,组合配对即可。我们可以在课堂上进行,也可以在课外复习,学生在老师或家长的引导下,逐渐主动建立音高,为演奏时的听觉提供帮助。 以上仅是建立音高的其中一种方法,无论是否属于捷径,都离不开科学严谨的反复磨练。只有掌握好这项基本技能,才能使耳朵成为服务于音乐的利器。

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2019-01

古筝考级教材二三事

市面上出版的古筝教学用书种类繁多,主要分为考级类、启蒙类、练习曲、作品集(名曲、流派)、流行音乐类等。使用最多的就是考级类书籍,一是由于每个学筝的孩子都有考级的可能,二是考级曲囊括了由简至难各类经典作品,使用起来最为方便。而其他类书籍,多由经验丰富的名家根据自己丰富的教学实践编著撰写的,每本书籍都有自己的侧重点;一些教材有较强的地域特色,不太适合作为普适性的教材使用。因此,如何在这些教材中选择适合自己学习的范本,很难一概而论,唯恐以偏概全。 本文只从考级书籍中选取3本使用人数较多、具有一定代表性的教材进行比对,即中央音乐学院古筝考级教程、中国音乐学院古筝考级教程、中国音乐家协会古筝考级教程。这3家以北京为大本营的考级机构,由于拥有规范的考级制度和系统的考级教材,最受大家肯定。他们均在各地开设外省考点,教材具有普遍适用性。通过比对这几本教材,我们大致可以判断孩子应该如何选择考级机构和用书,为之后的学习做好充分的准备。 一、使用考级教材前,应由启蒙教材引入 讨论考级教材前,我先说说启蒙用书。 一本教材是否合适,会很大程度制约和影响教学质量。在早年教材比较匮乏的阶段,很多人的第一本古筝书就是考级教程,但从我个人教学和教材编写经验来看,它并不适合作为启蒙阶段的第一本书。由于考级教程为考级编写,一级的曲目已经有一定难度,综合囊括了各种技法,没有对启蒙阶段基础指法的细致解构和针对性练习,而基础指法的学习恰恰又很关键,无法蜻蜓点水般一带而过。所以,在考级教材之前选择一本合适的启蒙教材非常有必要。 每位老师有自己的教学风格和侧重点,挑选的启蒙教材也各有千秋。有几个方面可供参考:以5岁以上至初中以下的儿童为例。 1、每个章节只有一个指法或技法讲解,便于学生吸收消化。 2、每章匹配丰富的练习曲:有简单的指法练习,便于观察自己的手型,不在找音上花费很大精力;也有简单优美的小乐曲,增加学习的兴趣。 3、练习曲包含的节奏型和所学进度匹配。而不是在头两节课中,出现难度较大的节奏型,这通常也是我是否会选择教材的条件之一。 4、启蒙教材和考级书籍无缝对接。学完启蒙教材,正好能进入一级曲目的学习。 二、三大古筝考级教材 中央音乐学院、中国音乐学院和中国音乐家协会的考级难度众所周知,其中中央音乐学院以通过率最低、难度最大著称。除了评判标准不一,它们的难易和教材之间是否有关联?我们逐一分析。 1、三本教材选编的练习曲,以一至三级为例。 中央音乐学院:一级是三本书中最难的,包含了两首左手按滑音练习曲以及一首双手演奏练习曲,强调双手的协调与配合。二级的内容安排简单易掌握,依旧是右手指法练习和左手按滑,但节奏和音符的复杂程度比一级有所提升。三级4首练习曲中,有3首是针对左手弹奏和双手弹奏的练习曲,指法较简单,依次巩固好左手指法,再融入双手配合。 中国音乐学院:一级以右手指法演奏为主,难度循序渐进,每条有针对性的重点。还包含一条左手按滑音练习,在掌握好右手指法的基础上,加入左右的配合。二级在一级的基础上有了延展,练习曲长度有所增加,出现左右手交替演奏的练习曲,但节奏简单,易于掌握。三级的内容较为丰富,有巩固前一级的练习,也有新指法的加入,如花指、上下滑音、按音、双手配合等,为后面乐曲的学习做好准备。 中国音乐家协会:一级综合了所学的基本指法,编写了三条针对右手指法练习曲,难度较前两本教材稍简单。二级练习曲还是以右手的基本指法为主,加入少量的左手按滑,无双手配合的练习曲,学生容易演奏。三级在前两级的基础上,加入了少量的按滑和双手配合,学生易掌握。但后面乐曲中涉及的个别技法,在练习曲中未得到体现。 从练习曲的安排来看,中央音乐学院的教材相对来说是最难的,在第一级中就加入了左手演奏,对于初学的学生来说略有挑战,其中也加入了一些增加学生积极性的练习曲,如《小星星》这种耳熟能详的歌曲,提升学生学习的兴趣。中国音乐学院的教材则是遵循了循序渐进和全面练习的特点,基本指法在练习曲中几乎都得到体现,难度也适中。而中国音协的教材普遍偏简单,学生易掌握,但从练习的全面性来看,有所欠缺。 2、三本教材选编的乐曲,以一至三级为例 三本教材在乐曲的选编上,内容相差不是特别大,但在难易的安排上略有差别。 一级:三本教材内容大部分相似,个别曲目有所差别。中央音乐学院教材中的《小开手》,有大篇幅的左手按滑,极强调左手的韵味。《齐步走》则是三本教材中,唯一一首双手配合的乐曲。对于一级的初学者来说还没有完全掌握好右手的演奏,又要兼顾左手的演奏,颇具挑战。 二级:三本教材均以传统乐曲为主,其中个别曲目难易适中,但篇幅过长,容易使学生失去兴趣,如中央的《三十三版》、《西江月》和音协的《柳青娘》。另《挤牛奶》在中国和音协的版本中都被安排在三级,中央则被设置在二级。如此看来,中央的整体难度略高于另两本。 三级:整体难度增加,双手配合作品数量增加。古筝名曲《渔舟唱晚》在中央被设为三级,而在其他两本书中,均被设置为四级。这首作品包含了丰富的情感,对学生的表现力提出了较高要求。因此,如果不是基础较好的学生,演奏起来则会比较吃力。而《三十三版》、《西江月》这两首在中央被设为二级的乐曲,在中国和音协的教材中被设置为三级。音协的三级中,仅出现一首双手配合的乐曲,选择的余地较少。 乐曲部分的比对,依旧可以看出中央音乐学院的教材难度最大。中国音乐学院的难度适中,适合绝大多数小朋友。音协难度尚可,较难曲目的数量偏少。如果你的孩子属于接受能力强,并且能保证刻苦练琴,中央音乐学院的考级教材是适合你的教材。如果希望你的孩子能够稳健一些,并且接受能力有待考察,中国音乐学院是不错的选择。而音协的教材相比之下偏简单一些,如果你担心孩子练琴效率不那么高,容易失去积极性,音协也是适合你的选择。 从教材的比对来看,考级的通过率不仅仅和考官是否严格有关,和教材设置的难易也有一定关系。当一首曲目在甲被设置为三级,在乙却设为二级,无形中给学习者增加了难度。因此,我们不能在考试前才选择机构,而是要在初学时便对考级机构和教材有所了解,针对孩子的特点和需求做出最佳选择。 参考文献:《古筝考级教材初级部分对比研究》,刘婉秋







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